Después de menos de un mes, llega
un nuevo artículo a esta página… ¡Que se sienta el décimo aniversario de este
proyecto a tope!
A pesar de que es un tema corto,
deseo abordarlo debido a una efeméride que recuerdo como si hubiera sido ayer:
Uno de mis álbumes favoritos fue publicado en el mercado hace 7 años, y desde
ese momento se convirtió en aquel disco predilecto que he podido escuchar
reiteradas veces sin cansarme.
Esto es Isolation, el primer
long-play de Kali Uchis, a 7 años de su lanzamiento (Aquí les comparto la reseña original, por si la quieren leer: Clic Aquí)
Después de bastante tiempo, ¡logré hacerme con el disco!
Literalmente la foto de arriba
muestra el vinilo bastante limitado que promocionaron en su época y que hasta
hace pocos días pude conseguir. ¿Por qué? Normalmente no se conseguía en las
tiendas de música en Colombia, y la importación del álbum desde algún país de
Norteamérica y Europa se veía frustrada en cada intento por la imposibilidad de
conseguir quien lo trasladara entre el origen y el destino. Sin embargo, seguí
buscando de manera irregular hasta que apareció en un catálogo virtual de una
tienda bastante accesible geográficamente hablando. Fui, lo busqué y apenas lo
vi, lo compré sin pensarlo.
Por un poco menos de USD 50,
finalizaron más de cinco años de búsqueda e insatisfacción general de no
encontrarlo. Eso sí, notaba algo raro al ver la lista de canciones, como si
faltara una…
El track 16 de Isolation. No está ni en el álbum físico, ni en Spotify. Sólo en YouTube y en la playlist de mi celular.
Y en ese momento recordé que para
cuando el disco cumplió sus primeros cinco años, se reveló una canción inédita
hasta ese momento: In the lobby, que calza perfectamente a manera de cierre de
dicho álbum. Supuestamente fue escrita desde el año 2015, y su demo había sido
filtrado mediante SoundCloud para luego ser eliminado al día siguiente (no se
ha vuelto a encontrar, por cierto). Por último, se regrabó la idea y
permaneció oculta hasta aquel 6 de abril de 2023.
No sé si fue por mera
coincidencia, pero la primera vez que la escuché fue en Jamaica, en un entorno
que se ajustaba perfectamente al entorno de la canción: un hotel paradisiaco
con playas blancas y una hermosa vista al mar, que combinaba a la perfección con
la armonía y serenidad transmitidas en sus dos minutos de duración.
Esta vista con esa melodía no la cambio por nada.
Regresando al tema del vinilo, no
me quedé con las ganas de reproducirlo, e incluso grabé ese inicio angelical
que me causa bastante fascinación y tranquilidad. Son de esas melodías que
puedo escuchar mil veces sin cansarme, y que causa una relajación, algo mágica,
difícil de explicar en su totalidad.
Body Language, vinilo de Isolation. Abril de 2025.
Mi opinión sobre Isolation no ha
cambiado en estos años, pues a mi parecer sigue siendo un álbum perfecto al que
no le ajustaría nada. Quizás le he encontrado mayor valor a canciones que percibía
opacadas por las grandes joyas por las que resaltó el primer álbum de la dama,
pero no mucho más.
Continúa siendo una cátedra de
cómo elaborar un álbum debut, teniendo el acompañamiento de distintas figuras
de la industria: Bia, Steve Lacy, Jorja Smith, Reykon, Damon Albarn, Kevin
Parker, Bootsy Collins y Tyler the Creator. Así mismo, por ahora es imposible
encontrar otro disco en el que tanto el creador de Gorillaz como Martina la
Peligrosa estén acreditados como escritores de algunas de sus canciones
(In my Dreams y Nuestro Planeta, respectivamente).
Brutal
El futuro para Kali Uchis pinta
bien, considerando que ya está a punto de lanzar su quinto LP, y en el que ya
se ha hecho de un reconocimiento valioso en una industria que es poco amigable
con el nuevo talento. Pero el punto de inflexión fue este, en el que después de
seis años de contenido underground entre mixtapes (Drunken Babble) y EPs (Por
Vida), se consolidó su concepto musical, su carrera y su proyección hacia años
venideros.
Feliz Cumpleaños a un álbum representativo para ella, y para
millones de personas cuyas vidas fueron marcadas por todas las historias que
contiene.
Este es una de las dos reseñas que más esperaba hacer durante esta época. El hecho de que se origine por parte de una artista cuya propuesta musical se ha visto como “interesante” y “difusa” frente a lo que normalmente es tendencia en la actual industria musical, es algo que llama completamente la atención… Eso, y el hecho de que hablamos de una cantante colombo-estadounidense, con la esencia de ambas culturas.
A diferencia de Camila Cabello, la cual trata de mostrar las raíces latinas de manera recalcitrante en ciertas canciones (con resultados variopintos), esta intérprete no tiene la necesidad de usar esta táctica. Más bien, explora pacientemente cada mezcla de géneros que puede realizar; y, en caso de que lo vea necesario, da a relucir su lado latino con aspectos sutiles que pueden simpatizar con toda clase de públicos (gusten o no de cierto tipo de música, o sean de una u otra cultura). Hoy tengo el honor de presentarles a Kali Uchis.
Kali Uchis... En uno de sus máximos esplendores.
Con una niñez vivida en Pereira, Colombia; y una adolescencia y juventud vivida en la ciudad de Alexandria, Virginia (EE.UU.), la señorita Karly Marina Loaiza se inspiró en distintos tipos de arte auditivo para lograr moldear el estilo que iba a llevar desde el primer mixtape que sacó a la luz… Poco a poco llamaría la atención por su “disimulada” rebeldía ante las modas impuestas por el medio musical de hoy, además de que compartiría experiencias con grandes figuras del cuarto arte como Damon Albarn, Snoop Dogg o Juanes.
Y bueno, en Abril del presente año vuelve a relucir con su primer álbum de estudio: Isolation. Un material que preferiblemente se tenga que observar con mucho detalle, debido a que el status quo o el encuadre en un único género parece ser lo opuesto a lo que esta cantante desea. Así que, ¡bienvenidos a este nuevo disco!
Isolation (2018)
1. Body Language (Intro)
2. Miami (ft. Bia)
3. Just a Stranger (ft. Steve Lacy)
4. Flight 22
5. Your Teeth in My Neck
6. Tyrant (ft. Jorja Smith)
7. Dead To Me
8. Nuestro Planeta (ft. Reykon)
9. In My Dreams (ft. Damon Albarn)
10. Interlude – Gotta Get Up
11. Tomorrow
12. Interlude – Coming Home
13. After the Storm (ft. Tyler, the Creator & Bootsy Collins)
14. Feel Like a Fool
15. Killer
Todas las canciones fueron escritas por K. Loaiza.
Existieron aportes líricos de parte de las siguientes personas: Bruner (1); Keith (1, 2); Satek, Natche y Landrau (2); Hemnani y Lacy (3); Rowe (4); Gordon (4, 15); Osinulu, Davis, Arcilla y Branham (5); Smith, Dopson y Mozee (6); Spears (6, 12); Ash (7); Chaverra, Londoño, Llorente y Torres (8); Albarn (9); Rabinowitz, Rishmond, Fisher, Kershaw y Gitty (10); Crocker (10, 14); Parker (11); Kurstin (12); Tavares, Hansen, Sowinski, Whity, Collins y Okoma (13).
Tenemos un disco que a simple vista muestra distintos matices… Tan distintos que no se alcanza a diferenciar un género con solidez. Sería mentira si dijera que en el álbum predomina el R&B, el trance, el reggaetón, el pop o el hip hop. Aunque tampoco hay de qué preocuparse: No es una pieza cuyo único atractivo sea su aleatoriedad: Realmente Isolation nos trae a la vista un conjunto de experiencias musicales que no se podrían vivir con artistas del mismo molde que no destacan entre los demás. Te hablo a ti… mi ínclita y primerísima cantante: Selena Gómez.
Es una estrella, pero no cae en ser similar a las demás. Tiene un algo muy notable que la diferencia...
Dejando atrás las cosas genéricas, en este artículo primara ese cambio repentino entre géneros y estilos que Kali Uchis quiere transmitir a todo su público. Por esta misma razón, el disco no es tan digerible para todas las personas. (Podría ser peor. Al menos no es un Witness o alguna abominación similar. Como sea…). Aun así, se establece como una oportunidad para que el oyente se incline a escuchar distintos aperitivos musicales que tienen en común una atmósfera algo retro que se ofrece en la mayor parte de las piezas musicales. Esa es la idea, en cierto modo: Una interesante exploración a nuevos rumbos
La introducción (Body Language) está inmersa en un ambiente tropical donde abundan aquellos sonidos de flautas y beats electrónicos que ofrecen una tranquilidad inesperada para los que tengan la fortuna de escucharla. Sí, fortuna. Porque esa sensación de auténtica calma es muy difícil de evocar de la mejor manera, y aquí se logra de una forma verídica (para ser exacto). Nada de efectos artificiales en la voz, más allá de una simple reverberación. Naturalidad, autenticidad, armonía, relajación… Algo único frente a todo lo que he escuchado en mi vida.
"Do you hear me? Can you feel me now!"
Miami ya introduce un entorno más irreverente, enfocado a un horizonte más atrevido. La primera impresión que da es de tener un contexto algo violento, que rememora las épocas de auge de los gángsters… En cierto modo, acierta. De hecho, se enfoca en el frenético, violento y maldito mundo del narcotráfico.
… Antes de que empiecen a ser prejuiciosos, es precioso ver como el estereotipo de ciertos latinos respecto al universo de las drogas es deconstruido para concentrarse en la cotidianidad de la ciudad en donde ciertos gringos listillos la consumieron. Y eso logra la tonada en cuestión: No presenta esa vida como un ejemplo divertido a seguir (así como cierto cantante basura), sino como lo complicada e insoportable que es esa vida.
El ritmo en trance y la colaboración de Bia son adicionales que le agregan valor. Esta última aporta una mínima pizca de crudeza al ambiente, pero nada más que sea significativo. Es eso. Buena rola.
"I'll take your money, raise the price, sblow up the spot like dynamite"
Just a Stranger con el featuring junto a Steve Lacy presenta la historia de una mujer desinteresada, superficial y empoderada que se lanza a la vida sin importar los riesgos. Eso mismo conduce a resaltar el dinero como uno de los aspectos que más mueven a la señorita. Llama la atención el ambiente decaído y desanimado que presentan las notas musicales que se repiten a lo largo de todo el track: Quizás expresando la melancolía del hombre pasivo ante la mujer, de cierta manera.
El invitado no es de lo más relevante y sigue brillando más Karly con los distintos matices que puede presentar en diferentes circunstancias. Y la instrumentación: Sencilla e hipnótica. Aceptable, casi buena.
"I´m the one they love to hate, I'm the one who will survive"
Flight 22: Un vuelo, un enamoramiento, un amor correspondido, un romanticismo singular, una ilusión hermosa, la antesala a una gran tragedia. A nivel instrumental, se involucran elementos de vals (con un aire a Casablanca) en un compás de 3/4 que “hace volar” hasta al cariño más tosco del mundo. La utopía que se manifiesta en este tranquilo desvarío lleno de ternura, es cruelmente asesinada por un acontecimiento externo que impide que el amor se consuma… El vuelo 22 finalmente terminó colisionando con otro avión y mató a la mayoría de pasajeros a bordo. Ni el amor lo evitó. Conclusión: ¿Ya dije que esta melodía es muy tierna?
"And baby, we're not gonna make it. At least, I'm going down with you"
Your Teeth in My Neck es el esfuerzo frustrado, hecho canción. Importa un bledo si te esforzaste al máximo o si sacrificaste tu tiempo para crear algo espléndido… Lo más fácil es que alguien te lo robe de manera descarada y que se adueñe de todo. La pregunta queda en el aire ¿Por qué nos seguimos esforzando?
El sentido de la letra es original, todo hay que decirlo. Involucra una temática creativa que toca a las personas en lo más profundo de sus sentimientos, sin necesidad de ser realmente amor. No obstante, no ofrece algún valor agregado más allá de eso. No niego que la parte instrumental se caracteriza por su divina irregularidad, pero se torna aburrida muy rápido. Es de los contenidos del disco que más tedio ofrece, lamentablemente. A pesar de eso, no se desconoce la labor realizada dentro de la melodía.
"What do I do it for? I've been working so hard just to give you more"
Tyrant: El primer sencillo que la artista liberó hace ya casi un año. Fragmentos de una producción de años atrás que ella nunca lanzó fueron retomados para hacer este single que subjetivamente, puedo decir que me encanta totalmente. Ya pasando a un nivel más crítico, estamos frente a una pieza que nos habla acerca del dilema entre la obsesión por el poder y el amor inocente… un punto de quiebre que ha cuestionado la vida de más de una persona. Como en anteriores tracks, la candidez y la sensualidad van de la mano en un juego que devela la naturaleza perversa del ser humano (Aderezado con referencias nada sutiles a cierto criminal y a cierta sex symbol… Igual, no le resta mucho).
De alguna manera, la estructura instrumental no cae en ser repetitiva… Tal vez porque es algo que poco se observa en el mainstream, o porque aprovecha de manera increíble la artificialidad presente en cada segundo. Hipnótica, como un remolino en cámara lenta que te provoca un placer auditivo con cada detalle melódico. No vale la pena descubrir al género al que pertenece: Es una mezcla que no deja claro ese aspecto… Aunque tiene un “algo” que le brinda esa identidad, a pesar de no tener un género fijo.
Para terminar, está la colaboración con Jorja Smith. Breve, concisa, a su justa medida e interesante. No sobreexpone el cliché de los featurings de rap/hip hop… Más bien, aprovecha el corto tiempo en el que aparece para hacer un aporte esencial con cierto frenetismo (algo similar a RiRi). Muy buena.
"When everything is a riot, you're my peace and quiet"
Dead to Me es la respuesta a la obsesión de una persona que no comprende que una relación amorosa del pasado ya se terminó. “Estás muerto para mi” son las palabras que explícitamente dice la intérprete en casi toda la canción. Tiene un elemento clave en el ámbito instrumental, el cual es un conjunto de notas que se repite a lo largo de los tres minutos de duración, claramente acompañado por percusiones, otros sonidos sintéticos y demás elementos artificiosos. Y pues, nada más por decir: Un desempeño vocal distintivo y variado por parte de Karly y un acompañamiento electrónico más que decente. Buena tonada.
"Just don't come for me, I won't send for you"
Nuestro Planeta es reggaetón. Ritmo, ambiente y particularidades del mismo en cuestión. El único plus es la letra y la voz de Kali Uchis. De hecho, comentaré acerca de estos puntos rescatables. Escuchar a Karly interpretando una lírica en español es magia auditiva. Puede parecer algo loco de mi parte, pero considero que se muestran matices adicionales (más notables) cuando la dama canta en el idioma de Cervantes… Bueno, además que representa un vuelco total a este carácter “anglo-retro” experimentado en la primera mitad del disco. Por otra parte, las líricas son el reflejo de… otra vez… el amor ingenuo y virginal (en cierto modo) que se percibe por un individuo, el cual no deja de ser un donjuán que atrae féminas a más no poder. Ya se vuelve algo tedioso el abordar un mismo tema… pese a que se hace de una manera distinta. Las líricas están bien… a secas.
Ahora pasando al muro de la vergüenza, tenemos a un Reykon que entorpece la melodía de una forma muy “malumizada” … Existen señales auditivas que en vez de darle a Reykon una cualidad propia; termina siendo un reggaetonero del montón que rememora a uno más popular que el mismo. ¿Reykon, El Líder? En serio, ¿qué onda con autonombrarse de modos tan ridículos?… Ya, como sea. ¿Algo más? Insinuaciones sexuales burdas, romanticismo plástico, clichés de reggaetón… Creo que es la única canción del álbum cuyo género se encasilla en uno solo: Es la oveja descarriada del rebaño. ¿Por qué existe esta colaboración? No lo sé, ni me interesa saberlo. ¡Siguiente, por favor!
"Yo conozco en realidad quién eres. Lo sé, todavía me quieres"
In My Dreams… La vida soñada, las pesadillas no existen, todo es ideal. El optimismo a flor de piel es lo que expresa esta canción con un tempo rápido y animado, con ganas de despertarse, levantarse e iniciar un nuevo día de la manera más feliz posible. El trasfondo se relaciona con la niñez de la cantante, y el qué sucedió cuando emigró de Pereira hacia Alexandria por motivos bastante oscuros, y posteriormente llegar a California.
Es linda, y ya. No hay detalles que se puedan resaltar más allá de una instrumentación repleta de elementos electrónicos con armonía entre sí, pero que se sienten planos y algo repetitivos. Aunque la participación vocal de Damon Albarn es muy reducida, logra calar muy bien al contexto de la canción (Algo así como una transición de la melancolía y la incertidumbre, a la felicidad y a la vida buena). A pesar de que no es de mis favoritas, es buena.
"Why would anyone stay awake after being so sound asleep?"
El interludio Gotta Get Up es un llamado a no resignarse a la inmersión en el mundo de los sueños. Un llamado a levantarse y lograr que esos sueños se conviertan en realidad. Para resumir los arreglos instrumentales: Consistentes en unos acordes sintéticos que emulan de una forma muy veraz el cómo se siente estar sumergido en la utopía que el mundo surreal ofrece. Además, la siguiente canción nos mostrará lo que termina sucediendo luego de despertar. Bello detalle.
"Gotta get up and get me something real..."
Tomorrow es un pop-rock psicodélico al mejor estilo de Tame Impala… Oh, espera, hay un colaborador llamado Kevin Parker, el cual es el multiinstrumentista de Tame… Ah ya. Está bien. Continuemos jeje.
Como estamos con Kali Uchis, era obvio que la pieza no se iba a enfrascar en un simple reflejo de la influencia del grupo de Parker. Se adicionan elementos que rememoran un poco al ritmo disco de finales de los 70, pero constituido con beats electrónicos. Y ahí queda otra amalgama de las que tanto nos fascinan… Creo que podría considerarla como la mejor instrumentación presentada en Isolation.
¿Y las líricas? Escapar de la realidad, romper el esquema, dejar atrás los problemas y encaminarse hacia una nueva aventura cuya dificultad y cuyo éxito aún son inciertos… (Ojalá no incite al escapismo jajaja…). Aún existe aliento en los corazones, y los amantes nunca regresarán a esos líos de los que tratan de evadir. Almas que, en su amor joven, enfrentarán el destino que se les avecina. No es de lo más original, pero tampoco es pésima. Todo lo contrario, es una letra que con cierto swing que recuerda a una ciudad nocturna, propone evitar el conformismo de una manera dulce y sincera. ¡Sobresaliente!!
"And time's on our side, while our hearts and young. Let's think about it tomorrow"
El interludio de Coming Home es eso precisamente: Volver a casa. Al parecer, las ilusiones del anterior track salieron de forma pésima, por lo que regresar parece razonable, a pesar de que nada será igual en el hogar a como era antes. Una segunda parte de esta pausa indica la necesidad de seguir adelante a la hora de cumplir tus metas, sin ceder a las presiones sociales porque con esto último no tendrás satisfacción con lo que hiciste. También, resumiendo el apartado instrumental: Parte 1 - Algo de desespero mostrado por una percusión irregular y notas sintéticas que se derriten en la nada. Parte 2 - Más calma con cuerdas, un tempo más pausado y un beat de percusión común. Y ya está.
"I'm looking back, now thinking, maybe I was wrong"
After The Storm con una doble colaboración al lado de Tyler y Bootsy Collins saca a relucir la fortaleza que deben tener las personas en las situaciones más críticas y certeras de la vida, además de no depender exclusivamente de un amor o una amistad. La vida no es fácil, y se tiene que enfrentar directamente. Respecto al apartado instrumental, posee detalles mínimos que en gran cantidad construyen un ambiente de calma anormal, una armonía cuya tranquilidad se nota en riesgo… Esto último es algo curioso e interesante a resaltar.
Y pues, la colaboración no es en vano. Los tres intérpretes se sienten relevantes a lo largo de todo el tiempo que dura la melodía… además de que expresan distintas emociones entre sí: La duda de Bootsy, la crudeza de Tyler y el sosiego de Karly. No es uno de los contenidos que más me atrajo, pero debo admitir que es de los mejores y más completos dentro de Isolation. Muy buena.
"So, if you need a hero, just look in the mirror"
Feel Like a Fool. Wow, una de las canciones más amigables con la radio que se puedan encontrar en el disco. Ya se apega a un estilo muy típico de R&B, aunque afortunadamente tiene elementos que le impiden encasillarse en el ya mencionado género. Desde potentes vientos, hasta ecos que resaltan el dilema en el que existe el enfoque. ¿Qué sucedió? Los cuernos han sido puestos, y la víctima sigue enamorada del imbécil que la engañó, por lo que esta misma resalta su estupidez frente a la situación. Mención honorífica para el apartado vocal, con el que Kali Uchis se foguea y se luce cada vez que puede. ¡Sobresaliente!
"They say don't blame the player, but he played the game"
Killer es el último track en el álbum. Una melodía oscura que se pasea entre violines, sintetizadores y teclados a través de las dificultades familiares y los problemas que se desarrollan en la adolescencia, en su mayoría enfocados con esa batalla campal entre uno mismo y su familia. De todos esos momentos tristes y llenos de angustia, sólo se pueden sacar enseñanzas que serán útiles en el futuro. Y la voz: Decaída, melancólica, con un sentimiento desgarrador en cierto modo. Con enojos y una pena a cargar encima, cierra este “Aislamiento” en el que nos sumergió una artista que ha demostrado tener un talento potencial envidiable.
'Cause all I'm thinking about right now is how I'll never know'em"
Así concluye esta producción polifacética. Les aseguro que es muy poco probable que encuentren un disco así en años: El talento creativo se invirtió de la mejor manera (salvo contadas excepciones). Incluso, lo más probable es que Kali Uchis explore otros rumbos en el futuro para elaborar un segundo trabajo discográfico con rarezas diametralmente opuestas a las aquí expuestas. El fenómeno que ha causado esta señorita ha sido increíble… Y no dudo que crezca mucho más debido a su estilo característico y a las pasiones que despierta entre sus seguidores: tanto fanáticos, como ocasionales.
Con esto dicho, procedo a dar el veredicto final respecto a Isolation:
ESCALA DE CALIFICACIÓN: -4 (Indeseable) ******0 (Común, Punto Medio) ****** 4 (Excelente)
Valoración Final: 3,8… Dejemoslo en 4 (Cuatro). Puntaje Perfecto. Me encantó como este disco asumió un sinfín de riesgos a nivel musical, algo que como consecuencia provocó el sonido tan extraño e irregular que se hace presente. No se encasilla en unos pocos géneros: Existen diferentes tipos de música y puntos de vista que se pueden notar a lo largo del disco. Se aprovecha al máximo el apoyo de diversos músicos en la producción y el desempeño de la mayor parte de las melodías aquí contenidas. La repetición molesta es algo que es prácticamente ausente, por lo que se da paso a ingeniosas maneras de abordar cada tema expuesto: Desde la presión social, hasta las dificultades personales. Si ya están aburridos de tanto pop y rap anglo repetido hasta el cansancio, admiren esta belleza. ÁLBUM MUY RECOMENDADO.
Eso sería todo por ahora. Espero que la tardanza por esperar artículo haya valido la pena
¡Hasta la otra!
Foto tomada de Melómanos Magazine! (Do you want a bit of raspado?)
Sí, es día de San Valentín: ¡te lo
restriegan en todos lados, y los tortolos no se hacen esperar!
¡Ahora han entrado a una nueva dimensión!
En
caso de que no lo hayan notado, será 14 de Febrero el día que este artículo sea
publicado. Resulta raro que hasta hace pocos años, una fecha bastante gringa haya
tomado la fuerza que actualmente tiene en América Latina y sus alrededores.
Pretenden que el amor se respire en el aire; que las parejas se alegren entre
sí (en cualquier manera que se imaginen… ( ͡° ͜ʖ ͡°) ); que los solteros revivan la nostalgia de alguna
relación pasada; y que las redes sociales se llenen de noticias de farándula
intrascendente donde l’amour ocupa cada jodido espacio en los medios.
Como
sea, es inevitable. Pero se puede aprovechar para revisitar tornados
sentimentales y emocionales que no cualquiera puede comprender. Así que, esta
es la revisión breve a 13, el álbum más extraño de aquel grupo que brilló en la
época dorada del britpop: Blur. Comencemos.
El cuarteto completo (1999)
Podría
definir a Blur con una sola palabra: versatilidad. A pesar de nacer en una onda
noventera de un género musical que tuvo rápida sepultura, lograron reinventarse
con experimentos discográficos que le valió un reconocimiento más global. El
grupo conformado por Damon Albarn (sí, una de las mentes detrás de Gorillaz),
Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree; logró explorar terrenos notablemente
diferentes a la zona de confort de la que partieron su carrera musical.
Así,
en 1997 comenzó aquella etapa de su trayectoria con un disco homónimo que les
daría popularidad en otros países, como Gringolandia, con hits que cumplieron
las pretensiones del grupo de iniciar un nuevo comienzo. Después los conflictos
en el grupo traerían creaciones incomprendidas como 13 en 1999, o como Think
Tank del 2003, que supuso la separación temporal del grupo hasta hace unos
pocos años, cuando decidieron volver al ruedo con un disco nuevo.
Hoy
veremos 13 (Thirteen), desde un punto
de vista conceptual. No habrá mucho detalle en el aspecto técnico o vocal, sino
más bien en el contexto del disco y lo que cada canción podría transmitir. ¡Así
que, vamos a dar un trip alrededor de las emociones de esta pieza!
13 (1999)
Pintura de Aceite hecha por Graham Coxon. Su nombre es "Apprentice"
Si,
dije trip. Se alcanza a notar que la elaboración de este trabajo estuvo marcada
por una fuerte influencia de alcohol y drogas, mezcladas a una trama depresiva
que más adelante les detallaré.
Tender da el banderazo inicial
con una letra muy placentera, que expresa las virtudes y lo grandioso que es el
amor, en medio de unos acordes bastante melancólicos. Son siete minutos en los
cuales no se puede evitar al menos tararear la susodicha, por lo constante que
es. Se torna repetitiva hacia el final, pero no logra ser irritante y molesta (por fortuna). Más bien expresa el
trance en el que la persona se encuentra cuando se está enamorado. Se nota muy
artesanal, muy íntima, muy sincera. El enamoramiento en su máximo estado.
"Lord, I need to find, someone who can heal my mind"
Track 1: Tender. Versión hecha por Damon Albarn, Graham Coxon y Noel Gallagher en el 2013.
De un
tajo, Bugman rompe aquel trance con
una sintonía eléctrica imposible ignorar y que arroja al espectador en una
cruda realidad: Una donde los problemas y las dificultades aquejan todo el
tiempo. Algo que siempre existió, pero que el insulso amor te cegaba de ver. Y
también, de manera inesperada, unas notas musicales que expresan confusión nos
introducen a Coffee and TV, una
forma más razonable de ver el mundo real tan jodido en el que todas las
personas nos encontramos. El amor es la solución, puede mitigar la realidad…
pero se hace ver tan lejano. A propósito, esta es de las mejores melodías que
se pueden encontrar en todo el disco. Tiene unos detalles instrumentales
increíbles.
Track 2: "Bugman"
Portada del Single de Coffee & TV. También creado por Graham Coxon.
"Take me away from this big bad world, and agree to marry me. So we could start over again"
Track 3: Coffee & TV
Con Swamp Song la cordura se pierde, la
angustia se apodera de la música en medio de una fuerte dosis de
estupefacientes. Suplicas enteras son exhaladas a cada 4 segundos. Despiertas de
esa resaca, y 1992 toma lugar en un
espacio donde el rompimiento es evidente, la tristeza es abundante y la
realidad se ve peor que nunca. Luego se cae en B.L.U.R.E.M.I., que además de ser un dolor de cabeza psicológico
para el individuo que está lejos de superar el desamor, puede ser una
referencia extraña al ritmo que llevaría cierto grupo virtual en su álbum debut
2 años más tarde.
Track 4: Swamp Song
Track 5: 1992
Track 6: B.L.U.R.E.M.I.
Otro
viajecito lleno de alucinación y media es Battle,
una pelea con los enemil demonios que puedas tener dentro de tu mente, en un
ambiente donde la soledad se juntó con la melancolía para darte continuos golpes
en el estómago. Una exploración a los sueños es lo que representa Mellow Song, tratando de rememorar las
vivencias y también intentando olvidar las emociones traídas por aquel amor
finiquitado. Podría representar esa etapa de Negación en la que más de uno ha caído.
Track 7: Battle
Track 8: Mellow Song
El
álbum continúa con Trailerpark, una
pesadilla demasiado repetitiva en la que simplemente no hay sentido, no existe
el raciocinio suficiente como para expresar qué es lo que ha ocurrido. Y Caramel resulta ser una embolia de más
de siete minutos en la que otro viaje de alucinógenos se presenta como parte de
una odisea interminable en la que el olvido quiere dominar. Aún con debilidad, se
quieren enterrar los recuerdos. ¿Qué es lo qué sigue con Trimm Trabb? Exacto, MÁS JODIDAS drogas que suponen aceptar un poco
la realidad en la que se vive. No se rechaza lo que sucede alrededor de todo.
Con un conformismo incómodo, unos acordes bruscos, y la toxicidad dentro del cuerpo;
se enfrenta a la realidad.
Track 9: Trailerpark
Track 10: Caramel
Track 11: Trimm Trabb
El
punto cumbre es No Distance Left to Run,
en la cual se representa la madurez de aceptar de una vez por todas que ese
amor fresco y angelical plasmado en Tender,
ya está totalmente muerto. Claro que existe tristeza, un dolor fuerte en el
pecho, consecuencia de un desamor que realmente duele. Sin embargo, la valentía
a la hora de dejar partir el pasado es lo que protagoniza esta melodía. No hay
más que hacer: después de divagar con alucinaciones que no llevaron a ningún
lado, además de una intoxicación física y mental que casi destruye el alma; la
Aceptación llega para ser la voz de la razón.
Track 12: No Distance Left To Run.
Lloremos juntos... "I don't want to see you, cause I know the dreams that you keep is wearing me"
Y el
disco cierra con Optigan 1, un
suspiro de liberación, una melodía que luce antigua… pero que brinda esa
bocanada de aire. Ya el corazón no está dolido, ni lastimado. Es placentero ver
como una etapa se ha superado a lo largo de la vida, y como ese destino brilla
para cada persona. Relajación, desestrés… La melancolía ha desaparecido.
...
Track 13: Optigan 1
Como
hemos podido ver, 13 es extravagante…
Demasiado extravagante. Es un recorrido por todas las fases de ese desamor, que
llevan a las personas a abordar diversas dimensiones que, bien o mal, se han
tenido que experimentar para llegar a asumir cuál es la realidad que está
ocurriendo. Y respecto a las drogas y al alcohol, no dudo que una cantidad
considerable de personas haya tomado el tren alucinógeno para escaparse de la
melancolía y de un mundo real que cruelmente puede despedazar los sentimientos.
Aunque
no apoyo el consumo, vale la pena mirar el trasfondo de este álbum. Damon
Albarn había terminado una longeva relación amorosa con Justine Frischmann (vocalista de un grupo de britpop llamado Elastica), y
esta situación provocó que el dolido vocalista de Blur se sumergiera en unas
adicciones que sólo lograron dos cosas: extender el dolor del ya desgastado
Damon, y tener material experimental y extravagante para elaborar un disco.
Con
esta definición dada por cierto usuario de YouTube, terminó este artículo: “Una
belleza fea”
Nos
veremos la próxima ocasión con el último artículo antes del hiatus. Es posible
que no haya columnas durante un buen tiempo, pero no se despeguen. ¡Hasta la
otra!
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