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12.30.2019

Mis canciones de la década: Un Tal Ranking Especial

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Que conste lo siguiente: Considero que la década se termina en el 2020, y no entiendo porque se ha masificado la costumbre de dar por finalizada la misma en los años que terminan en 9 (si alguien lo sabe, que me lo comente al final). Sin embargo, por única vez me voy a pegar a esta costumbre para presentarles las piezas musicales que marcaron mi diario vivir durante esta camada de 10 años... Si, tal cual: es un listado personal. Puede que hayan existido tonadas que se hayan masificado más, pero estas fueron las que más tuvieron peso en todo lo que viví durante estos dos lustros que están por finalizar.


Este lapso de tiempo se caracterizó por haber sido la etapa en la que más formé mis juicios y gustos musicales, además de haber construido este espacio tan importante en el que hemos abordado desde discos, pasando por festivales, hasta bandas enteras (Ya casi llegamos a los cinco años!!). Pero hay un pequeño detalle: creo que me decanté más por los sonidos antiguos, impidiendo contemplar algunas de las novedades musicales más importantes de los últimos años.


Challenge Accepted?

Por lo que, a modo de reto, las melodías a destacar sólo incluirán aquellas publicadas en esta década. Es decir, nada de descubrimientos muy tardíos, ni de remasterizaciones, ni cosas semejantes (aunque creo que voy a romper esta regla en el trascurso del artículo =D ). Esta compilado representó un hito para quien escribe este artículo, ya sea en arreglos instrumentales, letra, trascendencia o un buen conjunto de dichas características; y el hecho de que algunos no se hayan masificado tanto no significa que no merezcan este reconocimiento. Así que, empecemos el último artículo del año!


1.  Salvavidas (ft. Juan Pablo Vega) - Aerophon [Horizontes]: Puede que no sea tan conocida fuera de las fronteras colombianas, pero es digna de considerarse un gran hito durante este último año. Mezcla interesante en lo que a melodías latinas se refiere, puesto que la interacción entre el pop alternativo, el rap y el jazz es tan rara como simpática; con la intencionalidad del primero, las bases rítmicas del segundo, y los arreglos instrumentales del tercero. La ternura e ingenio que emanan de esta melodía son cualidades que salen a relucir, mientras el mensaje impreso en la canción combina la utópica ilusión con la cruda realidad en un ambiente de amor puro y duro. Si no la conocen, aquí la tienen… En serio, puede marcar la vida de un gran número de personas.

"¿Para que buscar el equilibrio, si en las noches duerme al lado mío?"


2.  Shine - Years & Years [Communion]: Descubrir a cierto grupo revelación de mediados de la década fue algo tan placentero como gratificante. Y es que en ese momento, el trío británico liderado por Olly Alexander era un escape a las tendencias populares de siempre. Uno de los puntos más altos de la agrupación fue Shine, una tonada que expresa de manera específica lo que puede suceder en el momento del enamoramiento. Toda la melodía es capaz de impactar sentimentalmente a quién la escucha desde el primer momento (o al menos, cautivar su atención): desde el entorno de calma al principio, hasta los highlights coloridos acompañados de esa suave voz. No llegó en los momentos ideales de mi vida, pero eso no le impidió ser icónica desde que supe de ella por primera vez.

"I was biting my tongue, I was trying to hide..."


3.  Enamorada - Pedrina y Río [Canciones sin Ropa]: Creo que la palabra “particular” le queda muy bien a esta canción. Exquisita como ella sola, con una letra tan curiosa como interesante y con una combinación de estilos bastante armónica. La voz de Pedrina con el talento instrumental de Río, sumando una estética rosa; lograron ser los ingredientes perfectos para convertirse en uno de los fenómenos de la década. ¿Cómo no quedar flechado con la ternura y tenacidad que este proyecto transmitía? Aunque el dúo ya se separó, siempre quedará en la historia aquella pieza con la que enamoraron a millones de personas alrededor del mundo (En Europa se convirtió en una canción muy popular, aunque no lo crean).


"Quiero decirte que estoy tan firme, como la parte anterior del maxilar superior..."

4.  Cuádruple empate entre Latch (ft. Sam Smith), Omen (ft. Sam Smith), Jaded y Magnets (ft. Lorde) - Disclosure [Settle | Caracal]: El proyecto de los hermanos Lawrence se concibió como algo tan llamativo, que se convirtió en uno de los primeros grupos de música electrónica con ideas frescas (ya mencionaré a otro de estas agrupaciones) que no trataban de asemejarse al EDM pegajoso y repetitivo que abundaba en la época. De ahí salieron varios sencillos que empatan en esta misma posición por la creatividad que sale de ellos. 


"What did you give me, to make my heart beat out my chest?"

Por una parte, los dos singles con Sam Smith fueron experimentos que demostraron la amplia capacidad vocal del tenor británico, a la vez que exploraban el amor desde diferentes ópticas, lo cual ofrecía una perspectiva interesante en el marco de los sonidos con sintetizador. Por otro lado, Jaded habla de cómo el dúo se trata de distanciar del EDM típico de listas y fiestas descontroladas, intentando ir más allá de lo que se encuentra de moda. Ya sea en la letra, o en los detalles sonoros; es agradable escuchar lo que Guy y Howard Lawrence tienen para ofrecer.


"My mind would rule my heart, I didn't pay attention to the light in the dark"

"Your golden years left you behind, you cannot replace them, face it or you'll waste them"

Por último, está Magnets protagonizado por la voz sensual y experimentada de Lorde, una intérprete que en sus primeros años se ganó la admiración del público y de expertos por su madurez lírica e instrumental recién comenzando su carrera. La colaboración con Disclosure resultó ser la exploración del amor desde un punto de vista más realista que el explorado con Sam Smith, refiriéndose a experiencias clandestinas, pasión carnal y envidias ajenas con unas metáforas interesantes. La base rítmica que deja entrever un poco de hip hop es rara, y hasta hace buen acompañamiento con la parte electrónica. Cuatro canciones deliciosas del mismo estilo y de los mismos autores que no se podían dejar pasar.

"Let's embrace the point of no return"


5.  Set fire to the rain - Adele [21]: Hablar de la década sin mencionar a la artista inglesa que sacudió el mundo iniciando la década es un error de aquí a Saturno. Y de la misma no elegí su sencillo estrella, sino una canción más introspectiva que igualmente fue ampliamente popular en su época. El potente coro, los desgarros de la intérprete, y la letra que insinúa la debilidad de una persona a la hora de abandonar a su amado por miedo a no recuperarse del impacto emocional es definitivamente increíble… Una experiencia sonora completa de inicio a fin. De hecho, a Adele se le podría considerar como una de las influencias musicales más significativas de la década. Sólo digo...


"Cause there's a side to you that I never knew, never knew"


6.  El Puñal - La Derecha [Polvo Eres]: Entre el 2010 y el 2011 se concretó el regreso de uno de los grupos más importantes de la historia del rock colombiano: La Derecha. El nuevo single que traería todo de vuelta se convertiría inmediatamente en un nuevo clásico de la banda y en la pieza musical más conocida del grupo dentro y fuera de su país natal. Personalmente, lo interpretaría como: 


“No importa donde estemos, siempre te voy a llevar en mi corazón, pase lo que pase”


El grupo había madurado y sin importar que hayan pasado más de 15 años desde el último disco, demostraban que volvían con una propuesta sólida y consciente de su naturaleza. Es rock, pero combinado con varios ritmos y sonidos que nutrían la propuesta más allá de ser las mismas tonadas del pasado. Una tremenda obra de arte para iniciar los 2010’s.


"Pero no hace falta un puñal, cualquier tipo de puñal, para grabarte en el pecho"

7.  The Nights - Avicii [The Days/Nights]: Por talento, recordación e intencionalidad, agrego este contenido que pudo inspirar a una generación a vivir de las experiencias y aventuras, sin tener miedo a los peligros o fracasos que puedan aparecer. El ya fallecido disc-jockey sueco fue admirado por generar mensajes enternecedores en unos cuantos éxitos que creó en su época de mayor fama (Wake Me Up o la que nos atañe en esta lista). Más que por las bases rítmicas o mezclas de sintetizador de cualquier típica canción de EDM, esta melodía se encuentra aquí por su mensaje: uno capaz de generar esa idea de querer aventurarse en varias situaciones sin importar rutinas o aspectos varios de la cotidianidad. No es la mejor, ni la peor… Sencillamente va a un punto interesante.


"He said, one day you'll leave this world behind; so live a life you will remember"

8.  Get Lucky (ft. Nile Rodgers & Pharrell Williams) - Daft Punk [Random Access Memories]: Otro regreso (Claramente los 2010’s fueron la década de los retornos). Aunque este es especial, debido a la naturaleza de los implicados. El dúo francés de house, después de seis años de ausencia, regresaba con una perspectiva más funky y disco al concebir composiciones más amigables para el oído masivo, pero sin abandonar la chispa que los hacía especiales… Ese valor agregado que los llevó a hacer algo diferente a lo que la tendencia marcaba. Y acompañados de Pharrell Williams (en su mejor momento) y Nile Rodgers (reviviendo sus viejos años de gloria), llegó una joya musical que volvería a popularizar el estilo de los 70’s.


Get Lucky es una fiesta hipnótica llena de bolas de espejos y luces de neón en la que la química con la otra persona se va desarrollando a medida que los pasos de baile van saliendo a la luz… Para que vean que una pieza musical enfocada en un ambiente fiestero puede ser un deleite auditivo, más allá de ser un simple ritmo repetitivo para bailar. Otro regreso triunfal que marcó estos años.


"We've come to far to give up who we are... So let's raise the bar and our cups to the stars"

9.  Suin Romanticón - Monsieur Periné [Hecho a Mano]: No sabía qué éxito del grupo poner: Si Suin Romanticón o La Muerte. Al final me decidí por el primero, debido a que este fue el que me flechó por completo con el grupo. 


Monsieur Periné comenzó como un grupo inspirado en la obra artística de Django Reindhart, combinando la elegancia francesa con la riqueza cultural latinoamericana. Y uno de sus primeros singles resultó ser la síntesis de su propuesta musical compilada en una melodía de tres minutos. Suin Romanticón podrá no tener la letra más profunda, o la interpretación más destacable de Catalina García, pero cuenta con un gran apartado instrumental (entre vientos, percusión y cuerdas) que seguramente cautivó a más de un aficionado en sus años mozos. 


Del vídeo se puede rememorar la anécdota del vehículo quemado con los instrumentos en su interior, que casi frustra la realización del vídeo; además del roadtrip hecho en las carreteras del país, mostrando la belleza de la naturaleza y los paisajes diversos que se pueden contemplar en este territorio. El romance eufórico, emocionante y auténtico que transmite esta pieza es algo que jamás podré olvidar por el resto de mi vida.


"Siento que estás cada vez más dispuesto al riesgo y a perder el control"

10. Uptown Funk (ft. Bruno Mars) - Mark Ronson [Uptown Special]: Este fue el primer material de un artista después de casi tres años sin novedad, tras el exitoso Unorthodox Jukebox. Representó el regreso de este intérprete a su esencia base, con una evolución notable. Si bien es cierto, Uptown Funk fue concebida primeramente por Mark Ronson; la colaboración de Bruno Mars fue clave para el éxito masivo que suscitó la canción en todo el mundo. Este fue el momento en el que Mars consolidaría su fama en todo el mundo.

Con un ritmo que evoca a los mejores años del funky, y con una producción muy cuidada de parte de Mark Ronson, esta melodía se convertiría en un éxito masivo en todo el mundo. No trataba de repetir lo que estaba de moda, y prefirió enfocarse en una libertad creativa en la que se desarrolló una idea maravillosa con un resultado más que satisfactorio. Una propuesta interesante en el que no me había detenido antes, y que al final valió la pena conocer y explorar.


"Don't believe me, just watch!"

11. Viviré para ti (ft. Natalia Lafourcade) - Los Amigos Invisibles [Commercial]: Una excepción a la regla viene a invadir el listado, pero no es tan grave considerando su cercanía con la década que nos atañe (2009, y una versión acústica en el 2015). Amor, felicidad y entrega son los ingredientes que, junto a una mezcla de jazz y pop alternativo con un violín tierno y seductor; dan como resultado un trabajo conjunto que se puede catalogar como un deleite auditivo. El mensaje y la armonía entre las dos voces fueron los elementos que en su momento, me hicieron enamorarme de esta melodía (Además de que en esa época estaba englobado con una persona). Una gran producción conjunta.


"No dejemos que termine, pues yo haré que te fascine"


12. Antes de Morir - LosPetitFellas [Historias Mínimas]: Un himno a la vida, a las experiencias, a todo lo que las personas debemos explorar antes de que todo llegue a su fin. De hecho, con esta canción fue que me introduje al vasto mundo del rap y del hip hop, debido a la mezcla rítmica que propone y al componente aventurero que inspira en el ámbito más realista posible. Son de esas melodías que proponen una realización personal que muy pocas veces se evidencia en la actualidad. Una de las más importantes de la lista.

PD: La introducción y el fragmento final de Eduardo Galeano enriquecen aún más la experiencia sonora.


"Antes de morir quiero vivir sin afán, y ser fan de mi gente antes de ser un rockstar"


13. After the Storm (ft. Bootsy Collins & Tyler the Creator) - Kali Uchis [Isolation]: Este tesoro auditivo llegó en un momento en el que necesitaba una fortaleza, un apoyo moral y una colaboración psicológica por causa de ciertos problemas que me ocurrieron en aquel tiempo. Tres talentos de distintos estilos se reunieron en una canción motivacional basada en decir y reforzar lo maravillosos que somos y que poseemos todas las capacidades para salir adelante sin necesidad de que alguien más lo haga por nosotros. Calma, relajación y entusiasmo enfrascados en una melodía hipnótica de poco más de tres minutos… Una obra de arte magnifica.


"So if you need a hero, just look in the mirror. No one's gonna save you now, so you better save yourself"

14. Rhinestone Eyes - Gorillaz [Plastic Beach]: El apocalipsis ha llegado. La contaminación del mundo es imparable y ya no se puede hacer nada, más allá de sólo mirar cómo el caos se apodera de toda esta realidad. La interpretación vocal es triste, apagada y hasta depresiva; mientras la base de sintetizadores realiza una transición desde un compás lento hasta una agitación total. Lo único que queda es levantarse, y salir del fango.


Conocí esta melodía por mera casualidad, cuando un amigo la reprodujo en el radio del carro de un compañero de la universidad. Desde ahí quedé totalmente impactado por la naturaleza de la misma, amarga y potente al mismo tiempo. El ambiente propuesto ofrecía una perspectiva más oscura y de mayor seriedad, a comparación de varios de los elementos presentes en Plastic Beach. Y al final, se convirtió en ese sencillo representativo de Gorillaz que nunca fue tratado como tal. Una lastima, aunque su popularidad no fue menor, por suerte. Un excelente contenido para finalizar esta lista.


"It's part of the noise when winter comes, it reverberates in my lungs... Nature's corrupted in factories far away"

Si lo preguntan, hay un montón de melodías que no quedaron en la lista debido a que la longitud de la misma hubiera sido más difícil de manejar… De igual manera, aquellas que no entraron siguen siendo dignas de admirar por la trascendencia y el talento que se desprende en varias de estas, por lo menos. Más que un top o una oda a las tendencias de la década, es una lista que rememora varios momentos de estos diez años que se pueden recordar con mucho cariño.



Aquí les queda este recopilatorio para que lo disfruten en lo que resta del año.


Aquí termina el 2019. Por lo que desde aquí, ¡les deseo un feliz año 2020 y los mejores deseos y expectativas para todos ustedes! ¡Hasta una próxima ocasión!




“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

5.01.2017

Gorillaz, El mundo virtual hecho realidad – Capítulo 2: Are we the last living souls?

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Todo el mundo espera un regreso, a pesar de que haya sido por un tiempo relativamente corto. Realmente Gorillaz no se había desconectado de los medios y de la industria que pretendía desafiar, debido a que tenía lanzamientos ocasionales durante los años posteriores a la publicación de su homónimo.

Entre algunas de las curiosidades publicadas se encontraban: Un DVD que contenía material exclusivo acerca de todo el contenido que poseía la banda (vídeos y cortos) hasta ese entonces, un CD de lados B que serviría como un perfecto complemento al homónimo que había tenido reconocimiento (el poco conocido G-Sides) y colaboraciones especiales con motivos de distinta índole (como la de 9/11).


Ya se hacía necesario que el grupo virtual continuara su carrera! 

No obstante, con cada año que pasaba, ya se veía necesario que el grupo aportara nuevo material a una revolución que ya había empezado. Este disco terminó siendo un boom en todo aspecto… y sí, no tengo nada más que agregar para complementar la historia (porque este no es el primer objetivo de estos artículos). ¡Entonces, entremos dentro de los diversos sucesos que nos cuenta el segundo disco!

Demon Days (2005)

1.  Intro
2.  Last Living Souls
3.  Kids with Guns [ft. Neneh Cherry]
4.  O Green World
5.  Dirty Harry [ft. Bootie Brown]
6.  Feel Good Inc. [ft. De La Soul]
7.  El Mañana
8.  Every Planet We Reach Is Dead [ft. Ike Turner]
9.  November Has Come [ft. DOOM]
10.  All Alone [ft. Roots Manuva & Martina Topley-Bird]
11.  White Light
12.  DARE [ft. Shaun Ryder & Rosie Wilson]
13.  Fire Coming Out of the Monkey’s Head [ft. Dennis Hopper]
14.  Don’t Get Lost in Heaven [ft. the London Community Gospel Choir]
15.  Demon Days [ft. the London Community Gospel Choir]

All songs were written by Damon Albarn. Another writers are Brian Burton (3-7, 9, 10, 12); Don Harper (1); Romye Robinson (5); David Jolicoeur (6); Daniel Dumile (9); Rodney Smith & Martina Topley Bird (10); Shaun Ryder (12)

El álbum más exitoso de la banda virtual. El que tiene más reconocimiento de parte de la industria. Gorillaz continuaba siendo una alternativa que mezclaba géneros musicales de manera impredecible, pero ahora la diferencia sería que la industria los seguía más de cerca: Esto se puede notar bastante en los múltiples premios, las diversas nominaciones y las presentaciones que tuvieron durante esta segunda fase.


¿Que si valió la pena esperar? Definitivamente

Las expectativas fueron altas frente a un disco que superaba en creces a su antecesor. Ahora contaba con mensajes sutiles, y a la vez críticos a la guerra; un mensaje basado en los días oscuros que sucedían a lo largo del mundo; y una instrumentación mejor construida, más disfrutable y más fácil de llevar sin caer en el estilo genérico que Gorillaz tanto satirizaba.

De hecho, y antes de entrar de lleno a analizar track por track; sería pertinente mostrar un lado B de este álbum que pretendía impulsar una campaña también creada por la banda virtual que quería evitar que las personas siguieran íconos o modas sin sentido o, en simples palabras, estúpidas. “Reject False Icons” se promocionó con Rockit, una ironía acerca de la importancia de las celebridades que no aportan en lo absoluto a la sociedad; y sí la embrutecen más. Aquí está el “muy extraño” vídeo:

Blablablabla

Ahora sí, comenzando con el Intro. Un inicio instrumental, que a través de diversos sonidos nos deja sentir la decadencia dentro de la que se encuentra sumida el mundo: El preludio a un apocalipsis, el comienzo de días demoniacos en los que la humanidad se devora así misma, audio ininteligible que pretende alertar a la población junto con el ruido de unas sirenas de policía. Sólo entramos a esa realidad inevitable…


Con un compás bastante característico (que influiría en ciertos trabajos de grupos latinos), Last Living Souls hace acto de presencia al empezar con una onda melódica minimalista que en algunos segundos se transforma en ese trauma musical que, cual remolino, te envuelve en una combinación de placer culposo y depresión. La idea de un planeta en el que la vida humana está extinta y sólo el cantante es… uno de los dos o tres últimos supervivientes de la especie. Desde ahí se desencadenan traumas, preocupaciones, tristezas; pero también ambición, libertinaje y poder. Una gran canción con sentimientos variados y/o ambiguos.

"Cause all out of song. I got it down wrong"

En Kids With Guns se puede ver que la avaricia humana no tiene límites conocidos. Abordamos una crítica directa a la guerra, en la que los infantes son la carne de cañón que siempre va a estar en riesgo dentro de una pelea que ellos no tendrían que combatir. Todo esto acompañado de un mix de sintetizadores, batería y cuerdas que quieren resumir sus acordes en un solo mensaje: Muerte. ¡Pieza también excelsa del disco!

"Easy does it, easy does it, they got something to say no to..."

Y luego el cuarto track, O Green World, quiere plasmar las añoranzas de tener otra vez un mundo limpio, libre de destrucción, donde la paz y la armonía alguna vez existieron; al lado de unos arreglos rítmicos basados expresamente en la potencia de los sintetizadores. Se podría explotar más el concepto que se trata en la canción; no obstante, hay unos límites claros que no se pueden sobrepasar. Este track podría ser mejor, pero en su forma original es regular y con una simpleza mejorable en la instrumentación.

"Bring me back to fallen town, where someone is still alive"

Llegamos a uno de los sencillos más populares de la banda: Dirty Harry. Y no es para menos, debido a que es una de las canciones que ha sido tenido muy en cuenta en el mainstream de las artes: como en el cine, apareciendo dentro de varias piezas cinematográficas. Hablando de la canción como tal, nos redirige a un pasaje desértico en donde la supervivencia se ha vuelto tarea fundamental de cada frenético día. La letra que nos habla acerca de armas, combate y carencia de paz se armonizan con un loop instrumental demasiado adictivo durante casi todo el track. Desde arreglos sintéticos bacanos, hasta un rap lleno de carga social hecho por Bootie Brown. Es simplemente asombroso.

"I need a gun, cause all I do is dance!"

Feel Good Inc. … el primer single de este segundo trabajo discográfico. Es, por detrás de Clint Eastwood, la obra más conocida del grupo. No tanto porque se haya tornado un éxito viral; más bien, es una canción con todos los elementos precisos para ser disfrutada, cantada y muy poco aborrecida por las personas. Más allá de una tendencia, marcó un hito en la música anglo. Y en relación con esto, tenemos el tema de esta pieza: ¿Cómo la satisfacción banal y la zona de confort nos absorbe, quitándonos todo rastro de emociones y libertad?

"Love forever, love is free. Let's turn forever you and me"

Todo esto acompañado de una instrumentación preciosa que ambienta los versos y estribillos, que acompaña tanto la parte vocal de 2D, como la de los colaboradores (De La Soul) que representan a esa opresión manipuladora. La letra logra mostrar el aliento del espíritu que no se quiere resignar a vivir en la engañosa satisfacción. Ya no podría decir más cosas… Sólo me resta por decir que es increíble en cuestión de calidad.

Inmediatamente, se continúa con El Mañana; la cual es una canción que manifiesta un sentimiento más desalentador y depresivo. Aspiraciones muertas, unas ilusiones destruidas, esa libertad que al final se podía alcanzar, había quedado pulverizada. Acompañada de ciertos sonidos sintéticos, los beats de batería acompañan a las exóticas cuerdas presentes en muy pocos tracks de la banda. La voz triste y melancólica expresa el fin de un sueño, que se eliminó de una manera horrible. Una pieza significativa.

"Don't stop the buck when it comes. It's the dawn, you'll see..."

Puedo considerar al track consecuente como mi favorito en toda escala del Demon Days. Y es que Every Planet We Reach Is Dead tiene todo para considerarse como una tonada de muy alto nivel: una instrumentación elaborada con exacta precisión (armónica y pegadiza al mismo tiempo); una metáfora donde se representan las ansias de la especie humana por encontrar un lugar seguro (cuyos intentos son en vano); y una interpretación vocal calmada, dudosa en sus ideas, pero finalmente bastante expresiva. EPWRID es excelente. Una canción predilecta.

"Dreams aren't bad, a hit of meth. I love the girl, but God only knows it's..."

November Has Come es corta, ambigua y un poco confusa. Aun así, dice referirse a situaciones sociales en las que la ley es prácticamente inexistente, el libertinaje se hace presente, y el instinto humano para desafiar lo que se estableció en el pasado continúa vivo. Todo esto acompañado de unas líricas que son poco entendibles, que intentan contar las diversas historias de una comunidad; cuyas ocurrencias son acompañadas por un trabajo de sintetizadores que no son suficientes para armonizar el estilo de esta tonada. Se siente que hay insuficiencia, y el track podría ser mejor a nivel instrumental.


"Something started today. Where did it go? What you want it to be?"

All Alone representa la soledad… bueno, no es un sentido muy explícito o directo acerca de esta condición. Más bien, expresa el completo nihilismo/indiferencia que puede causar el estar sumido en los líos de la sociedad; junto a la presencia de unas cuerdas con acordes que impactan al espectador por lo crudos que son. Prevalece esa mezcla instrumental que es la que guía toda la canción; además de poseer transiciones entre un lado relajante y un lado desafiante. ¡Particular y recomendada!


"We's about to make it clear. We happy or we lonesome"

White Light… Mmmm, ¿Cómo lo digo sin que suene ofensivo? Al carajo, lo voy a decir sin contenerme. Esta canción es un completo bodrio. Innecesaria, desesperante, y si quería transmitir algún mensaje, ha fallado rotundamente. Puede que parte de los arreglos instrumentales sean parcialmente agradables, pero la mayor parte del track es una repetición injustificada sin gracia y con un contexto tan oculto que hasta puede ser inexistente. Mala.


"White Light... Alcohol"

Ocurre el caso contrario con DARE. Es una continuidad llena de estilo, beats sintéticos y el encanto de una voz femenina para variar un poco el estilo depresivo y serio del disco. A pesar de que la letra no apela a la conciencia social, o a los problemas de la actualidad; te la puedes tomar en serio como un relax demasiado encantador. Es una de las colaboraciones más extrañas (en el buen sentido), debido a que Ryder ofrece el toque de locura y ánimo suficiente para interactuar con el alma del grupo en una pieza como esta. No describo más, porque sería innecesario agregar algo más a lo sobresaliente que es DARE.


"You just, think it, that's what you do it"

Fire Coming Out of the Monkey’s Head no se debe interpretar de manera literal. Monkey es el nombre del espíritu de la tranquilidad, la felicidad y la armonía que acompaña a toda sociedad durante su convivencia pacífica. No obstante, tarde o temprano llegaran forasteros a corromper esta comunidad; y en cierto momento todo se convertirá en destrucción (Cuando el fuego salga de la cabeza del espíritu).


"There's nothing you believe you want"

Esto, por cierto, es una metáfora de la sociedad (Por si no lo habían notado). Una letra casi en su totalidad hablada, la cual se ve acompañada de unos cuantos estribillos de 2D que dan cierto contexto a la historia. La instrumentación es un poco pegajosa, con tintes de misterio y oscuridad. El contexto es turbio, pero efectivo. Es buena…

Y los dos últimos tracks, que los podemos tener en cuenta como si fueran uno solo son Don’t Get Lost in Heaven y Demon Days, que nos hablan acerca de la ironía de un paraíso o utopía demasiado cruda, donde el fin de la vida es inevitable y la supervivencia ya se torna como un castigo, en vez de ser una condición de dominancia. Llama la atención el coro angelical presente dentro de la tonada, el cual no sólo le da un toque de pureza y seriedad al contenido; sino que expresa la calma de observar como el mundo se acaba y posiblemente alguna nueva etapa comience. Instrumentalmente es suave, calmada y llevadera. No serán las mejores del álbum; mas, si son unas de las más realistas y expresivas.


"There was more of it there, when I got back home"

Aquí termina la travesía por cada uno de los tracks. Ahora, procederé a mostrarles la calificación general del disco como tal.


DESEMPEÑO: 3. Mejor que su álbum debut, con una selección de variados géneros que no le tienen que envidiar absolutamente nada al mainstream de la música. No es perfecto gracias a las falencias dentro de ciertos segmentos, o por ciertas canciones inoficiosas. Sin embargo, he de considerarlo una de las piezas más recomendadas del nuevo milenio. No existen límites para la creatividad (Por ahora).

Nos veremos en una próxima ocasión. ¡Disfruten Humanz y esperen pronto el análisis!


“Ahora el fin marca otro inicio”

4.13.2017

Gorillaz, El mundo virtual hecho realidad – Capítulo 1: A bizarre sunrise

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Llego el momento de hablar de una de las propuestas musicales más extrañas, y a la vez, más efectivas de este nuevo siglo. Su nacimiento representa el inconformismo por varias de las tendencias musicales que se habían formado a lo largo de la década de los 90 y que no ofrecían alguna “revolución” a nivel musical que lograra impactar el medio de una manera brutal. De eso se encargaría un proyecto particular que sorprendió a todo el medio en el comienzo del milenio: Gorillaz.


La foto no es mía, pero expresa adecuadamente un poco de la esencia del grupo en su primera fase.

Espero que disfruten mucho este merecido análisis a uno de los grupos transgresores del cuarto arte. Y para hacerlo más extravagante, la idea se formó a partir de una banda virtual, la cual se construyó a partir de las ideas de dos mentes (Jamie Hewlett y Damon Albarn) expertas en dos ámbitos distintos: un arte visual bien definido y una esencia musical bien estructurada.

Albarn ya tenía en su haber una trayectoria reconocida como vocalista de la agrupación británica Blur; una de las que forjó el ya lejano género britpop. Hewlett había co-creado un comic llamado Tank Girl; además de colaborar en trabajos gráficos de grupos británicos muy reconocidos en la época, como Pulp. El encuentro de estos dos individuos en una fecha cercana a 1998 hizo que las ideas fluyeran hacia una dirección que la industria musical jamás habría imaginado.


Damon Albarn y Jamie Hewlett, actualmente. Las dos mentes detrás de esta propuesta excéntrica.

El concepto surgió como una parodia/sátira/inconformismo a los sonidos de la época, los cuales no tenían mucha variedad que digamos (más allá de boybands y un britpop totalmente muerto). Y esto mismo es reafirmado con la naturaleza animada de sus sonidos y de su entorno: Cuatro integrantes con una identidad y personalidad diferente entre sí: 2D (La imagen), Murdoc (El cerebro), Russel (El corazón) y Noodle (El espíritu).


Los 4 (Murdoc, 2D, Noodle y Russel) en el curioso acto del graffiti. Ironía e irreverencia en todo su esplendor jaja.

Ya casi todo estaba preparado. Sólo faltaba lanzar el primer disco, que daría a conocer el poder de los cuatro integrantes virtuales y los diversos individuos detrás del concepto, los cuales tenían como objetivo revolucionar a la industria musical (Volcarla en su totalidad)Y lo lograron…

Gorillaz (2001)

1.  Re-Hash
2.  5/4
3.  Tomorrow Comes Today
4.  New Genious (Brother)
5.  Clint Eastwood [ft. Del the Funky Homosapien]
6.  Man Research (Clapper)
7.  Punk
8.  Sound Check (Gravity)
9.  Double Bass
10.  Rock the House [ft. Del the Funky Homosapien]
11.  19-2000
12.  Latin Simone (¿Qué pasa contigo?) [ft. Ibrahim Ferrer]
13.  Starshine
14.  Slow Country
15.  M1 A1

All songs were written by Damon Albarn. Another writers are Teren Jones (5, 10); Odetta Gordon (4); Dan Nakamura and John Dankworth (10); Ibrahim Ferrer and Lázaro Villa (12); John Harrison (15).

Analizar este disco va a ser la aventura más complicada que yo haya emprendido desde la creación de este blog. ¿Por qué? Como ya había mencionado, la naturaleza de este disco es bastante rara hasta para mí (Además de que es el primer álbum anglosajón que analizo). Pero bueno, ya dejando las modestias atrás; procedamos a sumergirnos dentro de este mar de sonidos excéntricos.

Re-Hash inicia de una manera bastante sencilla, pero logra mostrar un fragmento de la real naturaleza que conforma a este proyecto llamado Gorillaz. El acompañamiento de esas cuerdas que recuerdan una esencia del lejano oeste estereotipado de películas de los 60 junto a la armonía de sintetizadores es bastante disfrutable. La letra no es compleja, ni siquiera su tema lo es (la fama/las drogas), pero ofrece lo que tiene que ofrecer, y da el protagonismo a lo realmente importante aquí: La instrumentación.


It's the money or stop...

5/4 lleva el compás extraño del que recibe el nombre. Por si se lo preguntan, el track va más allá plasmando vivencias incómodas acompañadas de una depresión excéntricamente alegre. Es extraño, pero logra ser un sonido bello y disfrutable. Puede tornarse un tanto repetitivo; no obstante, la percusión y los beats tratan de hacer a la canción más llevadera. No es de mis favoritas, pero es aceptable.


Tiene restricción por edad... Imaginen lo que verán. Como sea... She made me kill myself...

Tomorrow Comes Today habla de lo efímero y de lo eterno desde un punto de vista más oscuro a nivel melódico. La interpretación vocal no se queda atrás en este sencillo, donde las sensaciones nihilistas y de melancolía se hacen presentes en un disco que hasta ahora nos había traído sátira musical. Por un tiempo fue una de mis favoritas del álbum; y no en vano, debido a que el estilo manejado es bastante atrayente, evitando caer en una depresión absurda.


The digital won't let me go... Yeah, yeah, yeah... I'll pay... when tomorrow comes today

New Genious (Brother) continua la línea lenta y de extrema melancolía que llevaba el anterior track; sin embargo, ahora el tema en cuestión es la desconfianza y un viaje hacia el subconsciente a través de diversas referencias sexuales que son ciertamente incómodas si las comprendes en su totalidad. Un violín desgarrador es el que guía toda la melodía hacia un mar de emociones inciertas y sólo los coros son capaces de hacer eco en la armonía. Instrumentación de deleite con líricas facilistas.


No confíen en la gente que conozcan, les dirán que el río no es profundo...

Clint Eastwood: El primer sencillo, el inicio de la popularidad, la definición de una esencia propia e irrepetible. También es la primera colaboración que encontramos dentro del álbum, creada mano a mano junto a Del The Funky Homosapien, quien, por medio de su interpretación del espíritu del mismo nombre que habita dentro de Russel; logra construir un rap acerca del poder, los momentos de la vida y lo que depara el futuro. Que no falte mencionar que la simplicidad a nivel instrumental es compensada con la carga que puede tener el desempeño vocal y las mismas líricas del single. Una canción sobresaliente en todo el sentido de la palabra.


I'm useless, but not for long. The future is coming on...

Man Research (Clapper) representa la primacía de los sonidos electrónicos y sintéticos en un espectáculo sin precedentes. Sólo por eso, sería destacable para mí (porque realmente es un beat adictivo y difícil de agotar). Respecto a la letra: O es muy metafórica, o no tiene mucho sentido. Cualquiera que sea el caso, es inentendible y de poca recordación; donde pierde fácilmente el protagonismo frente al estilo sintético bien construido. Una dualidad curiosa.


Un asesinato curioso... Yeah!

Punk es un track breve, sin mayores complicaciones, y que compila en menos de 2 minutos la esencia de su nombre. Sobrevivir en una ciudad, donde eres un don nadie al que nunca le prestan atención, y sólo quieres revelarte. Con una percusión marcada con muchos detalles y una esporádica guitarra eléctrica; la pieza es muy simplona en su naturaleza. No es mala, pero no me atrae en lo absoluto.


Maldito, pero nunca me daré por vencido

Sound Check (Gravity) no me parece tan buena como muchos replican. ¿Por qué? Su naturaleza simple no me atrae, como sí lo hicieron canciones anteriores. Admito que la instrumentación está bien ejecutada gracias a una armonía bacana entre los sintetizadores y las percusiones, y pues la voz que emula un poco un estilo de ópera-rock llama la atención. Aun así, no es de mis predilectas, y me parece simplona e insuficiente.


Gravedad, no me empujes hacia abajo

Ocurre todo lo contrario con Double Bass, que aún sin letra logra evocar un misterio o una relajación interesante. En cuanto a los arreglos instrumentales consistentes en sintetizadores y pequeñas melodías de guitarra eléctrica, sólo me restaría decir que son exquisitos en un sentido bastante amplio. Y pues, eso es todo. Esta corta descripción basta para hacerse una idea del estilo implacable de la canción.


Instrumental

Rock the House coge un sample de una simpática sección de la canción Modesty Blaise de John Dankworth para extenderla hasta el cansancio con un rap que nos centra dentro de una fiesta excéntrica donde lo extravagante no tiene límites. A pesar de que la interacción vocal de 2D es… nula, el track no es perverso ni mucho menos. Logra mantener las características anormales que cada una de las canciones anteriores ha mantenido en mayor o menor medida. Aunque se vuelva repetitiva, es agradable de escuchar.


Come on, trace the globe and shake your pants!

19-2000 es otro de los sencillos promocionales del disco. Como curiosidad, este fue elegido a última hora en reemplazo de 5/4 por razones que desconozco. Aun así, creo que fue una buena elección porque se decidieron al final por una pieza íntegramente más completa. En resumen, 19-2000 logra expresar en forma breve el estilo alocado de la banda: un vídeo animado donde la lógica es casi inexistente; unas líricas optimistas que dicen muchas cosas y a la vez no dicen nada; y una instrumentación sencilla pero adictiva. Una muy buena.


Please repeat the message, it's the music that we choose... Keepin' my groove on

Latin Simone es el conjunto de sonidos que más me llamo la atención dentro de este combo de 15 canciones. Es la única en otro idioma aparte del inglés (español); tiene un ritmo que mezcla un poco el son cubano con ciertos vestigios de jazz y música latina (en concreto los saxofones y la percusión); y la trama gira alrededor de una motivación en momentos difíciles. Es lindo escuchar ese estilo latino, pero no encuentro tan sobresaliente esta canción.


Enfrentalo, ilumina ese amor antes de que se vaya

Starshine es lenta, constante y con un loop adictivo que curiosamente no se siente tan repetitivo (aunque eso ya depende del pensamiento subjetivo del individuo). No es una pieza buena, pero es aceptable. Representa meditación, tal vez un poco de impotencia combinada con debilidad. Llega a ser demasiado abstracta, pero no es mediocre.


Starshine, they ain't gonna find me

Slow Country representa una oposición entre el concepto tranquilizante/llevadero del ritmo reggae que se presenta, y la letra que habla de la vida urbana experimentada en la pobreza, la soledad y el nihilismo absoluto. El piano es exquisito, los beats refuerzan el concepto y los sintetizadores ambientan en gran medida la canción. Su sonido es minimalista, pero sobresale entre las demás.


You won't get money from doing what you loving :(

Y para cerrar el álbum, esta M1 A1. La primera mitad me recuerda mucho al estilo de esas películas de terror/suspenso en donde la melodía es tétrica y los gritos de auxilio enredan la experiencia más y más. La segunda parte ya es un hard rock confirmando el sonido que el grupo ha sostenido durante todo el disco. No tiene una letra muy elaborada y no es muy atrayente. Es una pieza mediocre, pero la combinación de ambas mitades puede ser relevante para ciertas personas (no es mi caso).


Gorillaz got the base drum, Gorillaz say I want some...

Y listo. Luego de adentrarnos en el homónimo de Gorillaz track por track, llegó la hora de categorizarlo en la escala de siempre. Es difícil por la naturaleza anormal del álbum; sin embargo, me gustaría calificarlo de acuerdo a la experiencia que se puede vivir con este.

DESEMPEÑO: 2. Es una travesía cuyo objetivo es distanciarse de los sonidos mainstream de la industria musical. ¿Lo logra? En partes, sí. No en su totalidad, pero es un buen comienzo para un proyecto de este calibre. ¿Por qué no llega al 3 o al 4? Porque a veces cae en ser repetitivo, tedioso o en muy pocas ocasiones, aburrido. No obstante, es un disco que sobresale y que inspira calidad en varias ocasiones. ¡Recomendado para aquellos que quieran experimentar sonidos poco comunes!

Aquí termino la primera de cuatro partes acerca del especial. Aún no sé si analizar The Fall, porque no es un disco muy elaborado… aun así, lo tendré en cuenta para ver si lo incluyo o no. ¡Hasta la próxima ocasión!


¡Proximamente, veremos el disco más premiado y aclamado del cuarteto: Demon Days!


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”