Esto
será fugaz… bastante fugaz. Expresa las 4 emociones que ustedes pudieron
leer en el peculiar título de esta pequeña columna. Me basó en dos supuestos
que he manejado para el desempeño que ha llevado la música actual latina
alternativa que sigo fervientemente:
1. El intervalo entre disco y disco de cierto
artista o grupo es de mínimo 3 años (o al
menos 2 años y medio). En la actualidad de la movida “independiente” una
pauta general que tiene sus excepciones: Los álbumes recopilatorios, homenajes
enteros a artistas, remixes, entre otros trabajos que requieren menor
maquinación. Obviamente no aplica en la música anglosajona.
2. Se mantiene una línea en la que no se cumplen
los caprichos de una tendencia (Jodidos
estereotipos desde Miami) o de una disquera (“Hermosas” colaboraciones o remixes de reggaetón) … incluso si se
trabaja con una muy reconocida. Igual, se respeta la libertad creativa e
imaginativa de los intérpretes.
No
tengo problema con que se rompa el primer supuesto, debido a que las
agrupaciones trabajan con ritmos distintos y emociones muy variables. Aunque, aun
así, el promedio se mantiene en esos 3 años, que se van entre el lanzamiento
del disco, los vídeos, las entrevistas, las giras, el cierre y al final iniciar
el proceso para producir el nuevo material.
Nuevo sencillo de Natalia. ¡Corran a verlo!
Traigo
a colación un estreno del día de hoy: Natalia Lafourcade con Tu sí sabes quererme.
Bien no se puede aplicar con exactitud la regla, debido a que es un cover. Sin
embargo, es improbable que el resto del disco lo sea. Lo que sucede es que, en
algunas ocasiones, tomarse el tiempo necesario es lo que constituye cierta parte
de la calidad de un producto musical en los días actuales.
Pero
bueno, que se le va a hacer. Como se ha mantenido en el tiempo la identidad de
ella y ciertas agrupaciones (MP, PyR), mantengo mi voto de confianza por el
buen desempeño que en el futuro tengan sus producciones. Con este estreno se
convencerán del porqué de mi ilusión y emoción:
El
segundo supuesto es intocable. ¿Por qué? Desde hace un buen tiempo todos los
cantantes tendencia en México y en las comunidades hispanas de Gringolandia han
realizado colaboraciones del género supuestamente “urbano” para que exista una “unión”
sólida entre cada espíri… ¡NO! Sólo se hace con la intención de vender, debido
a que su calidad es demasiado cuestionable.
Desde
aceptable, luego mediocre, pasando por regular, seguimos con algo malo, para terminar
en un producto que es insoportable desde su concepción. En serio, como gran
amante del cuarto arte, es fastidioso ver que unos gatos se metieron al negocio
porque el dinero lo vale, ¿verdad? No digo que la mercantilización no deba
existir, pero no es el único fin dentro de este ámbito que es, como dije antes,
ARTE.
Si ponen Pop Latino 2016 en Google, esta es una de las primeras imagenes que les sale >:(
Thalia,
Luis Fonsi, Maná… hasta Shakira se unieron a la mecánica de juntarse con el
reggaetonero de moda (por lo general es
el que más vende), para ser el nuevo foco de atención de los espectadores
durante unos cuantos meses, para luego pasar al olvido. En unos 5 años
posiblemente, cada uno de ustedes dirá de estos “éxitos” lo siguiente: “Oh, esto
es tan 2016”.
Oh, esto es tan 2016. No va a trascender porque no tiene ni la más mínima gracia.
La
nueva ola que ha venido instaurándose en varios sitios de América Latina ha
manifestado el pensamiento firme y claro de que serán fieles al género o a la
mezcla de géneros que quieren llevar. En caso de experimentar o incursionar, se
arriesgarán con propuestas innovadoras que en un principio serán incomprendidas
(aunque luego tendrán su gigante aprecio.
Véase el caso de Juan Pablo Vega).
Esa
línea de distinción es la que marca la diferencia entre un cantante maleable,
con canciones populares, pero en ocasiones poco inspirado y que quiere estar a
la moda; a un artista que experimenta
por su lado, cuya prioridad no es atraer muchas masas sino crear una pieza de
alta calidad sin recurrir a ser un falto urgido de atención. Eso explica el
camino impredecible que van tomando estos interpretes a las que tanto aprecio
les tengo… porque, en definitiva, se lo ganan a pulso día a día con el espíritu
artístico que reflejan.
Esto tiene dedicación, calidad y belleza. Más que cualquier tendencia pendeja que se quiere imponer
Al
final, cada uno define sus deleites artísticos. Me influencié por el pop latino
puro y comercial de principios de milenio (y
me quedó gustando :o), pero me resisto a tragarme esa moda absurda de
colaboraciones “urbanas” que sólo pretenden la popularidad temporal y la
viralidad cual vídeo de Delfín Quishpe (Ya le hice un artículo por aquí).
¡Eso
fue todo… Ah no! Patrocinó el estreno de Juanes: Hermosa Ingrata. ¡Debatan
sobre cómo les pareció la canción! Quiero ver sus opiniones =D.
Aviso
que la proporción de artículos va a disminuir por compromisos universitarios.
No obstante, trataré de mantenerme activo al menos dos veces al mes. ¡Ahora sí
me despido, y hasta otra oportunidad!
Esto
será demasiado breve: Un juicio subjetivo realizado de la manera más objetiva
basado en toda la trayectoria que el grupo en cuestión posee. Tengo que ser lo
más serio y enfocado posible frente al tema musical que en estos días nos
aqueja, como lo es cierto estreno artístico al que no he estado ajeno (que incluso fui de los primeros en
presenciar el día de ayer).
Supuestamente ellos protagonizan El Gotero de hoy
Hallelujah
Money: Eso fue lo que retumbó en mi cabeza durante las últimas horas. ¿Qué
representan estas 2 palabras? Son el título de la primera canción de Gorillaz
que vemos desde el 2012, cuando se realizó el alocado vídeo de Do Ya Thing. Una
tonada apocalíptica con tintes de crítica hacia el ya presidente de
Gringolandia (El señor McDonald Trump), y que pretende mostrar un poco del
enfoque que se está tomando en el estilo del próximo disco de la banda virtual.
A
continuación, presento el vídeo:
Por
supuesto que no es un sencillo promocional, ni algo parecido. Es muy posible
que esté incluido en el álbum que vendrá en meses posteriores; pero será
relevante sólo por la intención con la que fue creada, mas no por los méritos o
virtudes que tenga como una melodía producida por Gorillaz.
Ya
pasando a analizar la canción como tal, existe una elaboración meticulosa en
las líricas que nos permite comprender a través de distintas metáforas la
acción del poder y el dinero sobre la mente humana. ¿Es buena? Como una letra
aparte de todo contexto musical y social, es buena y hasta crítica en su
naturaleza. Sin embargo, todo esto se modifica cuando se adecúa al contexto en
el que ha sido publicada: Una nueva canción de Gorillaz que critica a Trump.
Sólo ciertos factores se salvan de lo que sinceramente me decepcionó
Es
a partir de ahí que todo lo bueno que mencioné, cae en picada hasta convertirse
en una decepción anormal y que bordea lo regular. La canción no es Gorillaz, a
pesar de que la voz de 2D adorne la parte posterior al coro. Y sí, como lo
vieron, dije “adornar” porque eso es lo único que hace. ¿Por qué? No existe esa
esencia de la banda virtual que se vio en el éxito de Demon Days, o en la
discreción llamada Plastic Beach. Es más, ni siquiera parece que Gorillaz
estuviera haciendo la canción… tan sólo es Damon Albarn (el autor detrás del grupo) haciéndole los coros a una tonada de
Benjamin Clementine, quien es la mejor parte de la melodía.
Por si se lo preguntan, Benjami Clementine sostiene la canción (pero no lo suficiente para que sea exitosa)
La
instrumentación es demasiado abstracta como para ser relevante (más allá de marcar los compases). Si
quieren hacer algo apocalíptico, no es necesario que minimalicen tanto el
apartado instrumental hasta que sólo quede una música de fondo muy simplona.
Podían tomar como base lo realizado en Rhinestone
Eyes para crear un contenido nuevo con más emociones contenidas que esta
mezcla rara que tenemos aquí.
El concepto junto a la canción de Rhinestone Eyes. Disfrútenla!!
Si
lo preguntan, si he tenido la oportunidad de escuchar los 3 principales
trabajos de la banda virtual (Y en repetidas
veces) como para ver una tendencia aproximada del estilo que se quiere
llevar. ¿Acaso esto nuevo no será experimentación de algo nuevo bien tremendo? No
lo es, esto ya se ha visto con otras agrupaciones indie que pasan de ser interesantes
alternativas a ofrecer material pobre y demasiado simple. Con esto, Gorillaz
estaría perdiendo gran parte de su esencia característica: Aquella dedicada a
probar sonidos poco o nunca vistos en el pasado para ponerlos en práctica en
cada fase. Innovación es el nombre más apropiado.
Nació sólo para ser una protesta política, no precisamente para cuadrar con el estilo del grupo. Por eso, no cumple con las expectativas.
De
resto, pues Ben hace un buen trabajo como colaborador y tiene más protagonismo
que el grupo del cual anuncian su esperado regreso. Buena voz y buena química
con las letras. Pero como antesala a un disco de una de las rarezas más
cautivadoras, está por debajo del mínimo de calidad que puede tener la banda.
Es un simple panfleto anti-Trump con metáforas bonitas, ritmo escaso y esencia prácticamente
nula.
Y
al final, el desempeño conseguido es el siguiente:
¡Recuerden el medidor!
DESEMPEÑO: -1 (Primera nota negativa
que doy). Aunque al principio luce como algo diferente, cae en
una propuesta demasiado simplona y sin un estilo presente. No siento a Gorillaz
en este panfleto en contra del nuevo jodido presidente de Gringolandia y de por
sí, el estilo apocalíptico no le ayuda mucho (Hasta va en contra del espíritu innovador que siempre llevó la
agrupación). Es de esas canciones que pretende decirte en la cara: “Hola,
soy rara y diferente. ¡Siente mi naturaleza! ¡SIENTELA!”. Mediocre, medio
genérica, sólo la salva Benjamin. ¡Fin!
Si
preguntan, aún le tengo fe a la Fase 4. Sé que Gorillaz trae cosas mucho
mejores que esta en el próximo álbum. Así que, con suma decepción, pero con lo
que me queda de ánimo, me despido. ¡Hasta la próxima!
Nuevo Álbum, Nuevo Escape. Bienvenidos a AlbumEscape
Para
la segunda edición de esta sección joven del blog, vamos a explorar un disco
que en su haber tiene un manifiesto complejo, y a la vez claro de lo que debe
significar un regreso bien hecho a la música. De parte de uno de los grupos de
rock más significativos en Colombia, el cual marcó la década de los 90 con
tonadas y letras centradas en comprender los sentimientos y las vivencias
juveniles de aquel entonces: Esta agrupación es La Derecha.
Una banda que fundamentó las bases para la consolidación del rock en Colombia
Marcaron
mucho una época bastante difícil en el país cafetero como lo fue la violencia
del narcotráfico y el inicio de la presión extrema de guerrillas y conflicto
armado. Para todos esos problemas (adicionando la eterna falta de dinero), se
consolidó el movimiento rockero y rebelde gracias al festival más significativo
en esos años: Rock al Parque, el cual fue en parte fundado por esta banda.
Rock al Parque: En su época fue el festival rockero más influyente del mundo hispano
Mario
Duarte, Francisco Nieto, Josué Duarte y Carlos Solarte fueron los soñadores que
iniciaron el proyecto allá en 1990, y que a lo largo de dos LP’s supieron
condensar de manera exitosa el sentir de la juventud y la insatisfacción
optimista de las masas que alguna vez revolucionaron al ritmo de las tonadas de
La Pestilencia y que poco después seguirían demostrando gracias a los
Aterciopelados. Pero eso es historia aparte.
El
homónimo, Balas de bebé y otras canciones de cuna… Esos dos discos fueron los
que posicionaron a los músicos capitalinos como parte de la camada más
influyente del rock noventero (junto a lo que hizo Aterciopelados y una mínima
parte de Carlos Vives). Sin embargo, por asuntos emocionales, La Derecha se
disolvió en 1997. Esto acompañado a que las propuestas musicales en Colombia
despegarían hacia otra dirección, y que el rock nacional se estancaría durante
la siguiente década.
Estos dos trabajos fueron los que hicieron que la banda fuera reconocida como un ícono
No
obstante, las nuevas propuestas en forma de grupos prometedores empezaron a
arrasar en Colombia. Y en esa movida que empezó comenzando la década de 2010,
una banda haría su triunfal regreso con un disco planeado como una evolución,
una madurez y de paso, una despedida.
Polvo Eres (2011)
1.
Las Doce
2.
Cinco Pistolas
3.
La Falla
4.
Emociones
5.
Ruido
6.
Simulación
7.
Dinero
8.
Tania
9.
Siempre Buscando
10.
El Puñal
Desde
el mismo nombre de esta nueva obra que nos transmite una sensación de vejez y
falta de vida (Relacionada con esa famosa
frase de “En polvo te convertirás”); hasta el mismo estilo que llevan las
canciones en conjunto: Uno más maduro, sobrio, variopinto y trabajado. El mismo
Mario Duarte afirmó que es más exigente la composición de piezas en la
actualidad que exige más a nivel lírico; que en el pasado donde la juventud
permitía crear tonadas sobre cualquier temática. Terminó siendo un retorno sin despedida incluida, porque causó un revuelo muy grande en el rock nacional... Tanto, que La Derecha continuó produciendo mucho más material.
La presentación de La Derecha en el ALMAX fue increíble. Si quieren detalles, lean el artículo del festival!!
El
reencuentro esperado se formó desde el 2010, cuando se presentaron en el Teatro
Julio Mario Santodomingo ante los ojos de miles de fanáticos que vieron por
primera vez el nuevo material interpretado en vivo. Hay covers, hay canciones
originales, hay variedad en cada una de las nuevas propuestas presentadas. Lo
importante de ver aquí es la calidad de la interpretación vocal e instrumental,
y las líricas (si la melodía es nueva).
¡Así que, empecemos!
El
banderazo de inicio lo da una canción llamada Las Doce, la cual nos introduce en ese rock sofisticado que la
experimentada banda nos va a ofrecer durante todo el disco. A través de un coro
con una melodía simple-pegajosa a base de piano y unas letras que comunican la
cotidianidad capitalina y la tardanza rutinaria, se construye el entorno
principal al que se unen demás instrumentos como las características guitarras
eléctricas, una guacharaca fuera de lo normal que da un primer rumbo, así como
bajo y batería complementan la esencia. La voz de Mario no se siente vieja
(todo lo contrario), se siente como existe una profesionalidad y un estilo
definidos segundo a segundo.
"Ser amante es tan literal. La cama, la hora, la duda, la espera, la vuelta al planeta"
Luego
sigue Cinco Pistolas, que es lo más
cercano al rock intenso y rebelde que se marcó mucho en aquella lejana
noventera. Me recuerda mucho a la esencia manejada en Balas de bebé… Esta
melodía de pogo se centra mucho en las adversidades y en el espíritu libre de antihéroe.
Enfoque mayoritario en las guitarras eléctricas y la batería, las cuales marcan
aquel sendero por el cual la obstinación gana más y más terreno. El desempeño
vocal es muy sobrio: no tiende a lo contestatario, pero expresa las emociones respectivas
en los momentos indicados. Tiende a ser repetitiva por cierto loop presente,
pero no es algo grave.
"Llevo mi alma a todos sitios, cinco pistolas son mis sentidos"
Es
peculiar la canción que hay después. Uno no espera que La Derecha haga su
versión de La Falla, original de
Kevin Johansen, que tiene un tono muy pícaro y, como eje posee un género
tradicional de música latina nada relacionado con el rock. Con ciertos cambios
en las líricas para adaptar el sentido a la colombianidad, y agregando la
participación de aquellos instrumentos rockeros se logró obtener un resultado
interesante y sorprendente. La voz logra tener una buena onda y los coros
destacan por su divertida interacción.
"La tierra temblaba, y la gente rezaba"
Fascinante
logró ser el primer corte o sencillo del disco, el cual fue Emociones. Una rola de Roberto Carlos
tuvo su reconstrucción al medio actual a través de una pieza de rock con
elementos de la música country como la interacción de cuerdas y maneras propias
del género. La estructura del track también tuvo sus modificaciones, trayendo
una reinvención del concepto original con un optimismo más marcado y con una
instrumentación que resalta al mismo nivel que las líricas (cosa que no sucedía tanto con la versión original).
"Amigos yo gané, tristezas yo sentí partiendo. Y a veces conseguí, mi llanto disfrazar sonriendo"
Y
después está otro cover, esta vez de Joaquín Sabina, de la canción Ruido. No me esperaba que existieran
tantos cambios entre versión y versión. Además de adaptar ciertas partes de la
letra al ambiente cotidiano de la capital (Bogotá),
se aceleró el compás, se agregaron detalles fuera del ámbito rockero como los
cameos de piano; además de que la interpretación es más fidedigna a una esencia
más local en los instrumentos utilizados durante la melodía. El desempeño vocal
es el más profesional y desarrollado de todos los tracks en Polvo Eres, algo
impulsado por la intención oscura y madura de la canción, o por un ritmo
mediano que se puede evidenciar en los 5 minutos y medio de duración.
"Y con tanto ruido, no escucharon el final. Y con tanto ruido, no se oyó el ruido del mar"
¿Cómo
la banda podría hacer el cover de un vallenato clásico con un género rockero? Simulación, original de Diomedes Díaz,
da pistas de este proceso. No es precisamente una canción entera de rock, o al
menos una modificación relevante del estilo vallenato… Se definiría mejor como
un híbrido: un rock-vallenato que tiene vestigios del estilo Carlos Vives que se manejó en Colombia.
Es peculiar, no es muy buena, resalta sólo como una curiosidad de la música.
Aunque ninguno de sus factores (vocal o instrumental) tienen fallas notables,
si se nota que se pudo haber hecho una mejor adaptación jugando con el compás o
con el sentido de la letra.
"Te mande un papelito con gusto, y pinté mi corazón flechao"
Volvemos
a las piezas originales con Dinero,
una sátira de la paupérrima situación económica que muchos jóvenes vivieron en
el pasado, y que hoy adultos siguen en las mismas (Oh Sorpresa). Si bien resalto el mensaje y la letra cruda (a la vez irónica) que se pudo lograr,
la instrumentación es floja al no saber por dónde ir. La noto como una
mezcolanza que se repite una y otra vez en busca de un sentido que la sostenga (y al final nunca lo encuentra). El
desempeño vocal no se puede ver al máximo, debido a que en muy pocas partes se
halla un tono definido para el canto (en
pro de una lírica hablada).
"Quiero cambiar de conexión; encontrar el oriente, el sur, el futuro"
Y
la última versión que encontramos es la de Tania,
trabajo original de Joe Arroyo junto a Fruko y sus Tesos. Me encantó la
particularidad que este track tiene en cuanto a los sentimientos manifestados
(una euforia contenida, satisfacción, etc.), a la vez que la interpretación
vocal de Mario Duarte aporta una mirada polifacética que no había tenido la
canción de 1974. También se añadieron los arreglos respecto a las guitarras
eléctricas y las percusiones que han dado un estilo concreto en conjunto a lo
visto en Polvo Eres.
"Voy dejando atrás, aquel basural. Que me hizo odiar, tu forma de amar"
Siempre Buscando
es la propuesta de influencia rítmica más comercial, recordando a ciertas
tonadas anglosajonas en su coro. Se presenta como un testimonio de querer salir
de alguna rutina o de alguna historia determinada. Respecto a los factores
vocales e instrumentales, están bien ejecutados. No resaltan ni son excelsos,
pero están bien trabajados durante los más de 5 minutos de duración del track.
Eso sí, me fascina esa influencia internacional que tiene la interpretación de
los instrumentos en el estribillo.
"Deja que el tiempo te dirá el momento, que las palabras se las lleva el viento"
Y
para cerrar, tenemos la más archifamosa canción de La Derecha de aquí a
siempre: El Puñal. ¿Qué puedo decir que no se haya decir de esta obra
reconocida? Si bien no tiene la mejor interpretación vocal de Polvo Eres (Ese mérito lo tiene Ruido, aunque El Puñal
se jacta de tener un factor de voz bien nutrido), es la canción mejor
ejecutada dentro del álbum. Su temática es un poco enternecedora: la distancia,
los recuerdos y el afecto (pero no cae en
lo ridículo o cursi de ciertos romantiqueros del rock, por suerte). Un
desempeño instrumental muy maduro, ligero pero complejo, simple pero
suficiente; en donde las cuerdas y los teclados adquieren el mayor protagonismo
junto a la voz. Fascinante, impresionante y recomendada hasta el infinito (y más pa’ca).
"La verdad no sé por donde empezar, no sé como decirte donde está el paisaje"
¿Y
finalmente, cómo es el desempeño final de este regreso tan aclamado de La
Derecha?
Desempeño Final: 3.
La obra maestra del grupo. Logra ser mejor elaborado que los 2 discos anteriores
gracias a una mayor auto exigencia en la banda. Rock maduro, con matices de
country, ritmos latinos tradicionales y loops instrumentales exquisitos de
escuchar (aunque algunos son muy repetitivos). No obtiene un 4 por tener
errores centrados en la desorientación rítmica y la intención emocional en
ciertas canciones, pero no la bajan de ser una pieza maravillosa. Disco a escuchar
obligatoriamente para cualquier fanático del rock (Ya sea anglo o latino).
Aquí
termina el segundo AlbumEscape. Espero que hayan disfrutado este recorrido a
través de este disco. Den +1, comenten y compartan. ¡Hasta una próxima ocasión!
¡Ahora el fin marca un nuevo inicio! ¡Los
introduzco al 2017 en este extraño mundo!
Rex Mix [EP/Álbum en Vivo] (1991)
1.
Hombre al Agua
2.
No existes
3.
En camino (Viva la Patria Mix)
4.
No necesito verte (Para saberlo)
5.
No necesito verte (Para saberlo) (Krupa Mix)
6. En
camino (Veranek Mix)
7. No necesito verte (Para saberlo) (Candombe
Mix)
Autores:
Gustavo Cerati y Daniel Melero en la canción inédita. Los demás ya los conocen…
Esto
no es un disco propiamente artístico. Ni siquiera lo puedo considerar como un
material adicional que valga la pena basado en Canción Animal. Es más, el
estigma de ser material de Soda Stereo en vivo le queda bastante grande para lo
que ofrece. Pretende ser un contenido de remixes, a la vez que quiere demostrar
el potencial de la ya muy madura banda en vivo, pero deja mucho que desear.
El manuscrito original de la No necesito verte. Cecilia Amenabar lo revelo a un año del coma de Gustavo Cerati. Hay ciertos cambios en la versión final.
A
lo único que merece mención es el track totalmente nuevo que viene incluido (y no necesariamente por razones de calidad o
deleite). Eso sí, su origen como manuscrito romántico que Gustavo le
escribiría a Cecilia Amenábar en la época en la que aún andaban separados por la distancia es
demasiado conmovedor, pero su calidad artística es muy floja. La psicodelia
puede ser un factor que influencie de buena onda la canción; pero su sentido
rítmico, instrumental y hasta lírico no permiten un buen disfrute. Es inferior
técnica y poéticamente a lo visto durante 1990, que así mismo falla en conectar
el éxito rotundo de Canción Animal con la experimentación incomprendida de
Dynamo.
"Entre las fieras andas segura. Tan profunda, tan casual"
¿Y
lo demás? Puede ser bonito, pero no constituye la calidad suficiente que el
grupo nos ha mostrado. Detalles más, detalles menos… No es un EP pésimo, pero
si entra en la categoría de ser genérico y mediocre. Promete ser de categorías
distintas, y al final no cumple las expectativas del “remix”, ni del “en vivo”. Es preferible ver lo hecho en El Último
Concierto, algo más completo para disfrutar. ¿Remix? Varias mezclas hechas por
fans tienen más profundidad que la mayor parte de Rex Mix. Después de lo ya
dicho, no tengo nada más que decir de esta… cosa. Sigamos:
Gira Animal. En algún momento la utopía se tenía que acabar...
Y
la realidad utópica se fue desvaneciendo. Casi al final de la Gira Animal, se
recibe una noticia que dejó un fuerte impacto dentro de todo el grupo, y que
recayó fuertemente en Gustavo. La muerte del padre de Gustavo Cerati: Juan José, cayó como el peor
balde de agua fría sobre su hijo que, desahogaría sus sinsabores, su impotencia
y demás emociones encontradas en proyectos posteriores que estarían alejados
del grupo por el que había formado parte por 10 años. El último concierto de la
gira dada por Canción Animal fue un 27 de enero de 1992 en Mar del Plata,
Argentina (Después en mayo hubo unas
fechas en España, pero no van al caso).
Esta era la imagen de aquel 27 de Enero de 1992. El triste fin de una gran gira
Y
si preguntan por Paola Antonucci (aquella
novia del vocalista que inspiró la esencia del disco), ella abandonó al
grupo en medio de la extensa gira porque no pudo soportar el ritmo de vida
desenfrenado que tenía la banda durante esos numerosos meses. Igual que Noelle,
no hubo nada más, pero ya existió cierto choque entre Charly y Gustavo que
permanecería como un virus pasivo para Soda Stereo.
Cierto
proyecto independiente se gestó entre aquel soñador de nombre Daniel Melero y
Gustavo Cerati, quienes diseñaron un álbum repleto de libertad creativa; este
no fue muy difundido por los medios, pero permitió la revitalización del
frontman de Soda para que continuara trabajando en los proyectos de su grupo. (No hablaré del disco en cuestión por aquí,
debido a que no hace parte de la banda de Gus, Zeta y Charly).
Este mero fue el producto de la alianza Cerati-Melero. Más adelante, lo analizaré a profundidad
El
siguiente desafío para el trio dinámico consistió en la deconstrucción del
álbum realizado en 1990 a partir de sonidos netamente experimentales que poco
se habían visto en el entorno latinoamericano. Algo llamado shoegaze fue el núcleo de todas estas
conjeturas, que empezaron a tomar sentido a partir de la creación de cada pieza
dentro del siguiente LP. También fueron vitales las mezclas realizadas con
música electrónica, la cual sería clave para enlazar todas esas libres ideas
que se estaban formando poco a poco.
Una liberación interna. Hicieron lo que más les encantaba en aquel entonces
Después
de un meticuloso trabajo a nivel técnico, y un cambio de casa disquera por
problemas internos, se lanzó al mercado Dynamo: Un giro de 180° al estilo que
llevaba manejando Soda Stereo. Si bien, ganó disco de platino en su preventa;
fue recibido sin pena ni gloria de parte de los seguidores de aquel entonces.
Irónicamente, en la actualidad es considerado como la obra de culto del grupo.
δγηαμο(1992)
1.
Secuencia Inicial
2.
Toma la Ruta
3.
En Remolinos
4.
Primavera 0
5.
Camaleón
6.
Luna Roja
7.
Sweet Sahumerio
8.
Ameba
9. Nuestra
Fe
10.
Claroscuro
11.
Fue
12. Texturas
Autores:
Todas las canciones han sido escritas por Cerati a excepción de Toma la Ruta
(Cerati-Melero)
Al
principio, iba a ser definido como Gol… pero gracias a un razonable incidente
de Melero (Preguntando acerca de los dínamos de las bicicletas), resulto con el
nombre actual: Dynamo. La situación de este disco respecto a los anteriores es
una muy diferente a sus antecesores, demasiado variopinta en su ejecución de 56
minutos y, en síntesis, innovadora para el género en Latinoamérica. ¿Qué
género? El rock, por supuesto. No obstante, este es ampliado, desdoblado y
explorado hasta los límites a los que pueda llegar la imaginación del grupo.
Ver más allá de lo que se hacía. Alejarse de lo ya realizado. Un estilo poco explorado
¿Es
el mejor de Soda Stereo? Averiguarlo es un misterio que de manera objetiva
sigue a lo largo de nuestros días. Puedo afirmar que significo una revolución
en los sonidos latinos, además de ser un giro de tuerca para todo lo que
llevaba el grupo en su trayectoria. De ahí a definirlo como el de más alta
calidad hay un largo trecho…aun así, veremos el disco parte por parte para
comprenderlo un poco más.
Secuencia Inicial
marca el principio, el rumbo y la esencia por la que el álbum va a estar
conducida durante el mayor tiempo. Una explosión de psicodelia maravillosa
basada en el total enfoque con el MPC60, un equipo electrónico que es capaz de
realizar diferentes combinaciones de sonidos sintéticos (Por cierto, será el eje del ritmo y la instrumentación en todo el
disco). No pueden faltar las cuerdas y las baterías que hacen un adecuado
acompañamiento y una tierna letra que sólo simboliza una introducción a esta
dimensión desconocida (A pesar de que su
mensaje es básico y simplón). La considero muy regular, el único mérito es
guiar a la definición artística del álbum.
"Mójate los labios y sueña..."
Toma la Ruta basa
más su estructura en la armonía entre todos los instrumentos con los que cuenta
la banda (incluyendo el sintetizador) para
crear una canción mucho más compleja. Puede que el ritmo sea muy pesado al
oído, pero no llega a ser irritante por una buena elaboración de la melodía (Es decir, no es una contaminación auditiva
sin sentido). También posee una letra abstracta donde es complejo descifrar
su sentido… No obstante, tiene mejor calidad lírica que la tonada anterior. ¡Es
una buena canción!
"Probaste luna, y bebiste cielo. Y a veces sueñas con volver, a los buenos viejos tiempos"
En remolinos es
sobresaliente. Sólo puedo decir eso. ¿Por qué? De manera sutil, nos ofrece una
instrumentación leve y concisa junto a una de las letras mejor construidas en
Dynamo. Podría ser una de las magnus opus que Soda Stereo tenga en su haber (Y eso cree mucha gente). No más… Si les
soy sincero, creo que la valoran de forma exagerada. No es mala (y está lejos de serlo), pero considero
que hay piezas más elaboradas dentro del disco… Aun así, la considero como buen
material dentro de esta misteriosa dimensión.
"Gira el sol, gira el mundo, gira Dios"
Primavera 0 es
el sencillo por excelencia de este extraño revuelto. El track más comercial, la
verdadera transición entre el sonido de Canción Animal y este álbum. En ciertas
ocasiones recuerda mucho a los riffs de guitarra del hard rock, que
posteriormente es suavizado (sin dejar de
lado ese estilo pesado). Aquí nos topamos con unas líricas bien elaboradas,
tienden hacia lo abstracto, pero transmiten emociones claras y sencillas. Está
bien (creo), y es una de las mejores
entre todas… Es más, las dos siguientes continúan la línea de calidad de esta
obra.
"Nena, tal vez fui, el sueño de otro futuro incierto. La verdad es que nadie vive sin amor"
La
siguiente es mi favorita (y por mucho). Camaleón tiene una letra abstracta;
sin embargo, con esta característica logra estar mejor constituida que muchas
dentro de Dynamo (¿Cierto, Secuencia
Inicial?). Cuenta con unos arreglos instrumentales envolventes, que nunca
tienden a la exageración, y que relajan la mente del espectador. La
interpretación vocal es grandiosa al alinearse lo mejor posible con la
intención del ritmo. Es exce… No, existe un defecto notable: La repetitividad.
En cierto punto, los mismos acordes una y otra vez son capaces de agotar el “Nirvana”
en el que se entró con anterioridad (Un
suceso cansón, después de todo). No es excelente, pero si es muy buena y
sobresaliente.
"El color nos mimetiza, y el frenesí no suele llegar a tiempo"
Luna Roja
marca la mitad del LP con una reflexión demasiado enternecedora. Está dedicada
a Federico Moura, el vocalista de Virus con el que compartirían buenos momentos
en el principio de la carrera del grupo, incluyendo la creación del homónimo
ocho años atrás (Del que Moura fuera su
productor). Una analogía al sida
(Razón por las cual Moura había fallecido) poco abstracta, pero con una
letra conmovedora.
No
todo lo abstracto es de culto, y este es un buen ejemplo de que lo concreto
también logra ser maravilloso. La voz expresa melancolía moderada, realismo
sentimental. En la instrumentación se nota el shoegaze en su máxima expresión,
entregando una psicodelia muy extraña a través de los instrumentos
convencionales (incluyendo al
sintetizador) bajo varias capas de guitarra. Fascinante, atractiva y muy
emotiva.
"Cuídame, yo te cuidaré. Yo también pagué placeres ciegos, y no quiero ver..."
Sweet Sahumerio
es lo más oscuro que se puede encontrar dentro del disco. Hablar de este track
es complicado, más allá de la letra abstracta con cupo a diversas
interpretaciones. La parte instrumental es suave, pero llena de sonidos
sintéticos que embellecen o empeoran la capacidad envolvente del ritmo. ¿Por
qué digo lo anterior? Encontrar la objetividad en esta pieza es una tarea
titánica, y va más allá de la calidad dudosa de factores en conjunto. Dejemos
en que es tan extraña y misteriosa, que no tiene una valoración definida.
"Tiene forma de espiral, quien lo sabe. Aguas silenciosas, cubren su alma" (Audio: Gira Bocanada de 1999)
Lo
siguiente que tenemos es una particular destrucción musical con una abundancia
de shoegazing (el eje del disco, por si
no se habían dado cuenta).Ameba luce menos abstracta que sus
compañeras, pero lo compensa en la gran cantidad de metáforas que se digna en
mostrar. En general, la letra es muy simple… pero mejor constituida que en
otras tonadas de la misma dimensión. El trabajo de voz es bueno, tirando a
regular y es la interpretación instrumental lo que destaca entre todo (Es la esencia de la ya mentada destrucción)
con un notable trabajo de batería, cuerdas y la hipnosis rítmica del
sintetizador. Es un track de buena calidad.
"La prudencia no es la duda, y yo caí desprevenido"
Nuestra Fe es
una de las canciones en las que predomina el uso exagerado del MPC60, pero es
ejecutado de una manera magnifica. En ciertas ocasiones, la letra no es lo que
destaca dentro de la obra; y ahí, es donde entra el desarrollo de una
instrumentación envolvente e influyente a los sentidos. No obstante, no hay que
obviar el sentido presente en las líricas de la melodía, la cual puede ser muy
simple… o muy incomprendida: Es difícil de explicar a excepción de que se haya
escuchado unas 1000 veces. En conclusión, se puede catalogar como uno de los
ritmos más elaborados acompañado de un mensaje… extraño.
"Con el sol de abril y sin saber por qué, estoy sudando en nuestra fe"
Claroscuro
es una de las más flojas dentro del disco. Otra letra que se puede interpretar
de distintas maneras, y que por supuesto está bien elaborada. Pero lo demás no
es demasiado convincente. Tanto el trabajo instrumental (que se siente
demasiado forzado) hasta la voz que no posee una buena interpretación (mediocre, a decir verdad) es la que
pone a esta pieza alejada de ser una maravilla. Y así, algo demasiado regular y
mediocre (a pesar de que está lejos de ser
genérico).
Paso la frontera, el dolor suicida, alma fugitiva. ¡Libérame!
La
siguiente pieza consiste en la toda la nostalgia lanzada al corazón por medio
de una sola palabra: Fue. Los
sintetizadores se han ocultado en gran parte para dar paso a una melodía
melancólica que se forma con lo más básico de la instrumentación en cualquier
canción de Soda (Aunque no es tan radical
como Té para Tres). Las líricas son demasiado cortas, pero suficientes para
expresar la desazón que ha dejado el fin de una etapa y la separación
permanente. Agradezco mucho que la voz si expresa las emociones sentidas como
la depresión y la insatisfacción. Sobresaliente entre todo el LP. ¡Una de las
mejores!
"Me embriagué hasta el vacío con tu miel venenosa. Fuiste mía, y el hastío nos llevo al desengaño"
El
cierre del álbum es Texturas, un
rock alternativo muy optimista que pretende dar un cierre demasiado alegre (en
cierto sentido) a toda la explosión experimental que se vio a lo largo de 12
tracks, incluido este. La letra es muy básica, y los versos son cortos a más no
poder. Se resalta más el ritmo y la interpretación instrumental más que otra
cosa (Un mar de sentimientos de ánimo). El ámbito vocal no se siente demasiado,
y hasta puede sentirse como contraposición al sentido de la canción… Pero bueno…
No es mala, pero si tiene demasiadas fallas en su ejecución.
"Acariciando diferencias, siempre vamos a encontrar figuras"
Dynamo
es un trabajo muy meticuloso, alejado del estándar que se esperaba de la banda
ya muy reconocida a nivel internacional. Como habrán notado, el factor
abstracto es lo que más ha abundado a lo largo del disco, junto a la
experimentación y el potencial desarrollo de melodías a través del MPC60. ¿Es
una obra de culto? Sí, efectivamente se ha ganado ese estatus por ser una
piedra angular en el establecimiento del shoegaze y sus características
distorsiones en Latinoamérica. Pero ¿Es un disco bueno?... El siguiente
veredicto ya lo dirá:
DESEMPEÑO: Ω (Omega: Indefinido). No es un álbum de gran
desempeño. Tampoco es el peor disco de todos. Ni siquiera es genérico o
mediocre como tal. Al no hallarle espacio dentro de la escala, es indefinida su
categoría. Puedo decir que es un gran suceso de experimentación, se escucha
adelantado a su tiempo y cuenta con joyas que por sí solas son sobresalientes o
regulares. Como conjunto difiere un poco: Es un viaje maravilloso a otra dimensión,
pero es indescriptible su estatus de calidad (Valoren subjetivamente y como gusten este interesante disco).
La
gira Dynamo tuvo varios sucesos inesperados: Desde una compañía que sería la
influencia para el futuro de Soda Stereo, hasta la repentina cancelación de los
conciertos posteriores en algún punto. Pero eso lo veremos en la siguiente
parte, la cual estará llena de datos interesantes y el análisis a un álbum particular
(y no necesariamente por su deslumbrante calidad).
¡Así
que estén atentos! Nos veremos en otra ocasión (después de unas mini vacaciones de 1 semana =D).
