8.07.2017

Una (micro) ojeada a: 10. Bolívar, el héroe

¡Ahora han entrado a una nueva dimensión!

A propósito de la fecha libertadora más importante en Colombia (el 7 de Agosto, fecha de la Batalla de Boyacá), les ofrezco otro de mis mini artículos homenajeando esta fecha festiva que lamentablemente ha perdido trascendencia a lo largo de los años. Pero para que vean que el recuerdo sobre el gran logro de Simon Bolívar sigue latente, traigo a ustedes la revisión a una de las películas animadas más horripilantes jamás producida en el país cafetero: Bolívar, el héroe.

¡Un horizonte hacia la libertad... de poder ver esta joyita del cine!

La intención original del filme era mostrar la historia del libertador desde sus primeros años hasta su momento de más auge: aquella Batalla de Boyacá que le dio la victoria a todas las personas que se habían cansado del yugo español dentro del Reino de la Nueva Granada. Lo particular de esta idea sería su ejecución: se dirigía a un público más infantil a través de dibujos animados que tuvieran cierta similitud con la animación japonesa, que en pleno 2003 tenía una popularidad muy alta en todo el país.

Aunque el presupuesto no se comparaba realmente a la de las producciones conocidas de Disney, Pixar o Dreamworks; realmente era posible lograr un producto competente con el cual destacar desde la industria local. Me hubiera encantado que la realidad fuera esa... ¡Porque así no fue!

No lo fue... Y nunca lo será. Ya es reconocida en todo el mundo; y no porque sea buena :o

El resultado final se puede ver desde el mismo tráiler, el cual es irrisorio en varios sentidos posibles. Realmente la animación se veía precaria, las frases épicas de independencia eran chistes animados, y los entornos se notaban incompletos: No por la falta de tecnología... más bien, por la pretensión del equipo de no poner el máximo esfuerzo. ¿Se relaciona con el “paquete chileno” que ofreció RCN en su momento?  Mis conocimientos no dan para responder esa pregunta, pero en Colombia toda pendejada es posible. Así que imagínenlo.

¡Disparen!

Aquella pieza audiovisual de menos de un minuto fue la única evidencia de la existencia de esta indecencia. La película se perdió (o la perdieron) por causa del recibimiento poco amable que tuvo desde su lanzamiento y muchos aseguraron que se trataba de un mito para desprestigiar la animación en Colombia. No obstante, y para nuestra fortuna (o infortunio), el usuario A. Ariza subió el largometraje completo a YouTube en Diciembre de 2015. El mito trascendió a la realidad.

Esta cosa es el primer meme que cree. Por algo se empieza...

Dirigida por Guillermo Rincón e intervenida por los hermanos Zajec, estos son 73 minutos de pura diversión. Sí, sé que ya he dicho que es horripilante. Sin embargo, la situación del anime de Bolívar es particular. Se pueden notar tantas incoherencias lógicas y fallos graves en el guion... que es supremamente ridículo. Puedes disfrutar riéndote al extremo con todo lo que el héroe de Sudamérica tuvo que soportar en sus aventuras animadas: Tormentas mal animadas, antagonistas con cierta hipérbole de maldad, transiciones de escenas increíblemente inoportunas, y demás.

Y en estas imágenes se ven mejor que en el bodrio de película. Siempre existió rosca por ahí...

¿Por qué en pleno 2003 hay fallos de animación que parecen de la década de los 80? Es muy raro. Además de los colores híper fantásticos de los cabellos de los distintos personajes, sumado a la estética “japonesa” que hace lucir a Bolívar como un Goku de 3 centavos; el dibujo no tiene una personalidad, más allá de la ridiculización que pueda recibir. Eso sí, la emulación del estilo anime es tan fiel; que ciertas proporciones corporales de las féminas están bien detalladas. Pero no es un halago para la película.

Pero mira las dimensiones de... esos ojos. Están bien detallados y coloridos!

El doblaje es bueno. Fuera de ciertas pifiadas de personajes recurrentes que sencillamente no le aportan nada al largometraje; las actuaciones sorprenden bastante. Talentos del medio mexicano como Luis Daniel Ramírez, Marina Huerta, Esteban Siller y Gonzalo Curiel hacen acto de presencia con el ánimo de mejorar el entorno burlesco de la película con unas interpretaciones vocales sobresalientes. De ahí en fuera, ni la música se puede salvar de la masacre de mala calidad: Soundtrack genérico, repetitivo y que no se puede tomar en serio... Los efectos de sonido son incluso peores... (¡Disparen! Oh... “Se cae y se reproduce sonido de aplauso”).

Han salido distintas parodias, comentarios, columnas como esta; que expresan lo reluciente que es esta joya dentro del catálogo de la cinematografía colombiana. Y termina siendo algo agradable: No por el hecho de que sea un ícono ejemplar, sino más bien como la prueba viviente y realista de qué es lo que no se debe hacer en la animación de cualquier latitud del mundo. Y con humor, el mensaje es mucho más efectivo... ¡Realmente funciona!

He aquí a los padres de la patria: Santander y... el que sea. Esas cabelleras son fantásticamente ficticias.

Muchos lo consideran una desgracia para el cine local. Y lo es. Pero en vez de simular que nunca existió, es más recomendable soltar carcajadas con base a lo mal que puede salir un producto y apoyar los proyectos que pretenden constituirse como algo mejor. Ya existen producciones con un admirable desarrollo: Pequeñas voces por el lado de las películas, y Mr. Trance por el lado de las series. Se necesita un apoyo mayor a ideas con un alcance mayor y un porcentaje menor de defectos. En serio.

Mientras tanto, disfruten de legendarias escenas que incluyen penas de muerte, latigazos color chocolate, estereotipos extranjeros, cabellos multicolor, maestros perturbadores y complots de telenovela. Todo eso y más, dentro de esta hora y trece minutos de puro ocio. ¡Adelante, la peli esta entera en YouTube! No hay excusa.

Película completa. Disfrutenla con sus familiares, amigos y/o pareja

Por lo pronto terminó esta (micro) Ojeada. La proporción de artículos disminuirá considerablemente. Aun así, seguiré teniendo actividad en este hermoso blog. ¡Hasta la otra!


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

8.02.2017

Alternatilandia #3: Reggaetón: ¿Apoyar el talento nacional?

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Bienvenidos al tema de hoy...

Este artículo pretende ser directo y despejar aún más la postura del Autor de esta página respecto a uno de los géneros más difundidos en la escena musical de la actualidad y que ha sido motivo de amores y odios por parte de la sociedad. ¡Así que, bienvenidos a Alternatilandia: la sección más cercana a los juicios sueltos del cuarto arte!

Una nueva dimensión

Nunca pensé que llegaría a escuchar esto en una emisora de nivel tan serio como La FM (Dial de RCN Radio). Posturas políticas aparte, siempre se ha caracterizado por ser un espacio prolífico para la difusión de piezas musicales en sus espacios que no son ni noticiosos, ni hablados. Aunque no me considero un oyente seguidor de aquella frecuencia, si tengo en cuenta que el corte musical es digno de admirar gracias a las distintas canciones de décadas pasadas que son programadas por aquel rincón en las ondas hertzianas.

¿Qué sucedió? Alejandro Villalobos, director de La FM y de La Mega (una emisora “juvenil”) se encontraba en un programa cuya conducción corría por su cuenta: La media mañana. Leyendo mensajes de WhatsApp referidos a sugerencias de música para la radio en Colombia, encontró una misiva bastante particular: Crear una ley en Colombia para restringir o eliminar el reggaetón por completo de las frecuencias radiales... A decir verdad, un modo de pensar bastante exagerado con tintes marcados de hipérbole.

En primer lugar, nadie debe estar prohibido a escuchar los géneros musicales que les gustan. Hay diversas alternativas que uno puede escuchar en distintos medios: TV, radio, internet, entre otros. Y, aunque agrade a cierto público, no sería justo prohibir un género de música a nivel nacional. Por más chabacano, insulso o repugnante que sea un producto, va a existir un público que lo va a consumir. Y tienen todo el derecho, con tal de que el género no violente los derechos de las personas (En esos casos específicos, se entra a un terreno más complicado... No ahondaremos en eso).

Prohibir no sería la solución factible. ¿Saben?

No obstante, cierto lado de la respuesta de Villalobos me sorprendió por ser una contestación incluso más ridícula a aquel mensaje: Dijo algo así como “Tenemos que apoyar el talento nacional. Ellos están sacando la cara por el país”. ¿En serio? No podía creer que hablaba en serio. Aquí sí hay un problema.

Vamos con el contraargumento. Si bien, todos tienen derecho a escuchar su música predilecta; aquella no está exenta de que pueda ser criticada. Es más, la crítica logra ser un ejercicio excelente para encontrar las distintas cualidades o defectos que tiene un determinado género de música.

Ahora, que el eslogan conocido (y abusado) de “Apoyar el talento nacional” se saqué a relucir para defender a cantantes y/o grupos mediocres de música es lamentable y patético. Claro que existen propuestas interesantes que esperan a ser escuchadas; pero en varios casos, a los medios no les importa la calidad que estas puedan tener. El apoyo para lo realmente bueno no es muy frecuente en las emisoras masivas de radio.

Si apoyar lo local es aguantarse el ambiente mediocre, entonces Apague y Vamonos...

¿Tengo que apoyar a Maluma o a Kevin Roldán porque son talento nacional? ¿Es más, por qué los llaman talento? Ninguna persona debería apoyar mediocridades con el pretexto de que pertenecen a un mismo país y como compatriotas los debemos impulsar. Absolutamente no. Como dice cierta columna costarricense respecto al tema: “El apoyo exclusivo a una banda por su nacionalidad le quita credibilidad a su trabajo”.

Lastimosamente, las modas en la industria musical van a seguir existiendo: Entre one hit wonders, tracks pegajosos y canciones polémicas se va armando el mainstream actual. Sin embargo, eso no representa que el contenido ofrecido tenga calidad. Sólo es una excusa para seguir alabando el contenido musical “urbano” que existe en la programación de La Mega, que, a propósito, Villalobos también dirige.

Debe ser un medio para la difusión. No el fin.

Con sinceridad, pienso que hay un desenfoque muy notable en la cuestión de encontrar los talentos que existen a nivel local. Las letras bien coordinadas y las admirables características de la instrumentación quedan relegadas a un segundo plano donde las 3M (el morbo, la moda y la mediocridad) siguen siendo el pan de cada día. No toda la música actual es así, pero lo que buscan vender casi siempre tendrá la maldición de las 3M.

Opinen abajo en los comentarios. Dejen sus opiniones en esta muy corta columna


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

7.25.2017

Un sueño llamado Soda Stereo – Capítulo 9: Si piensas volver... Algún Día

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Aplaudan en la luna... Ah no, eso es de otro grupo en el futuro jeje

Hemos llegado al capítulo final de esta pintoresca historia en la que detallamos cada disco y cada etapa de aquel grupo de rock latinoamericano que durante 15 años trajo propuestas interesantes al medio musical de la época. En este artículo no se explorarán álbumes como tal, sino veremos piezas separadas que se formaron durante el último año de vida y los múltiples proyectos posteriores de ese sueño llamado Soda Stereo. Aquí comienza:

Intro de la nueva dimensión: Ya Viene... Todo a su Tiempo

La última gira de Soda fue, como todas las demás, exitosa. Todo normal hasta ahí. No obstante, el desgaste del grupo era notable: Ciertas leves tensiones tras bastidores; la poca motivación por un Tour que no había sido motivado por un álbum de estudio totalmente novedoso; ciertas aspiraciones que en principio tuvo el vocalista de la banda al finiquitar el sueño que estaba a punto de cumplir quince años; entre más y más razones que aún se pueden desconocer.

Un año que sería decisivo, 1997, inició su curso con los rumores de la posible separación del trio que había sido el exponente más grande del rock latino. Desde Marzo empezaron la ola de rumores acerca del apartamiento en el que los 3 integrantes caerían tarde o temprano después del reciente final de su última gira: la de Comfort y Música para Volar hacía 4 meses. ¿Qué había pasado? Ni bien Zeta Bosio y Charly Alberti no tenían ni idea de lo que estaba pasando, el proceso ya se estaba concretando poco a poco por cierto miembro que veía a lo lejos nuevos horizontes para una vida alejada de la que alguna vez fue su máxima prioridad: Soda Stereo.

Aparte del Diario Clarín, el día siguiente a la nota de separación

Fue inevitable, y cual efecto dominó, iniciando Mayo ya se haría oficial la decisión por parte de todo el grupo. En un comunicado de prensa, el rumor, sin ser chisme, pasaría inmediatamente a ser una realidad absoluta. Se podría definir como frío y escueto: Una declaración de adiós bastante simplona y que representaba el límite de una estructura que ya tenía problemas desde la era Dynamo. Igual, aquel no fue el último material del grupo en ese año: Le siguieron dos participaciones inolvidables: El tributo a Queen y la gira de Último Concierto.

Nota dejada por Gustavo Cerati acerca de la separación de Soda. Mayo 1 de 1997

El primero fue un proyecto organizado por una casa disquera llamada Hollywood Records, la cual posee los derechos de la discografía de Queen en el continente americano. La idea era que grupos y cantantes consagrados en el mercado latinoamericano le rindieran un homenaje al grupo inglés por medio de nuevas versiones en español de todos sus superéxitos. Lastimosamente, esta curiosa pieza no recibió la atención necesaria en su tiempo y quedó en el olvido. Bueno, no exactamente...

No creo que El General, Angélica o Pablo sean "Grandes del Rock en Español". Todo a su tiempo, pronto analizaré esta cosa.

En otro momento, analizaré este compilado de joyas y desechos juntos. Lo interesante para la historia del trío argentino es que la versión de Some Day One Day quedó como responsabilidad de Soda, quien le imprimió su propia esencia a tal deleite originalmente creado por Brian May.

Y empezamos las reseñas. Algún Día fue la última canción que Cerati, Alberti y Bosio grabaron en estudio antes de su separación en Septiembre de 1997. Evitando comparaciones con la versión original, esta interpretación es asombrosa en toda regla. Desde la suavidad de los acordes del principio, la adaptación digna de admirar a nuestro idioma materno y la “explosión” que ocurre al finalizar la primera parte de la pieza: Es un total orgasmo auditivo. No es broma. Las sensaciones que transmite son fenomenales, al sobrellevar un estilo que mezcla la majestuosidad que imponía Queen en un track como este y la atmosfera de las últimas producciones del trío porteño. Es una de las mejores cosas que existen en el amplio catálogo musical de Soda Stereo.

Pudiste ser mi reina, y cansada de sufrir... Si piensas volver... Algún Día

Por otro lado, la “Gira” del Último Concierto en realidad sólo consistió en 6 presentaciones realizadas en 4 países de América Latina: México, Venezuela, Chile y Argentina. La modestia no les dio para ir a Ecuador, Perú, Uruguay o Colombia (Aunque bueno, no los culpo al haber experimentado el “lindo” recibimiento que tuvieron en Barranquilla en el Tour de Sueño Stereo. Si quieren saber de aquella peculiar historia, por aquí les dejo el link).

Aquí está el cabezote de la noticia 2 (Link Aquí Noticia 1/Link Aquí Noticia 2)


Cortesía del usuario IvanLennon75. Audio Importante e Histórico en el que se escucha el principio del único concierto en Barranquilla de Soda Stereo.


En fin, desde el 30 de Agosto hasta el 20 de Septiembre se enfocaron en finiquitar las despedidas a lo largo de esos territorios visitados. Dos sesiones en Ciudad de México, una en Monterrey, una en Caracas, otra en Santiago de Chile y la última en el Estadio de River Plate en Buenos Aires.

Con un setlist de más de 25 canciones, el grupo se despidió en su natal Buenos Aires. Lo último interpretado fue De música ligera, su pieza más significativa en una versión mucho más recordada que la original de Canción Animal. La interpretación, el concierto, la gira y el grupo llegaban a su fin en un estadio con aforo de más de 60.000 almas con las siguientes palabras de Gustavo Cerati:

Minuto 3:38 —No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias... Totales! (Gustavo Cerati)

Se tocó el riff final de aquel single, se destapó una botella de champagne, Charly lanzó una baqueta al público, y la historia terminaba por defecto en ese momento. Sin embargo, ciertos hechos posteriores fueron cruciales para aquella banda que había dejado huella en el rock.

Largo tiempo sin verlos, muchachos...

Cinco años después, se realizó la primera entrega de los Premios MTV en Latinoamérica, donde lo mejor del pop y el rock en español eran galardonados. El premio leyenda a la trayectoria fue entregado a Soda Stereo, cuyos integrantes no se encontraban desde aquel histórico Último Concierto. Gustavo Cerati, Charly Alberti y Zeta Bosio se encontraban en una tarima otra vez, pero no precisamente para tocar algún éxito. Dieron respectivos agradecimientos y fueron aplaudidos por todo el público presente en los premios.

Todo el segmento correspondiente al Premio MTV a la trayectoria. 2002

Y hasta ahí... Nada más. Sólo una reunión muy efímera y luego cada uno volvería a sus actividades regulares. Charly manejando empresas tecnológicas y de cuidado ambiental, Héctor produciendo discos de otros grupos y experimentando otros estilos musicales; y Gustavo en la elaboración de su carrera solista. Nada relevante que hiciera coincidir a los 3 sucedería hasta 2007.

Antes de eso, a finales de 2006, los tres se volvieron a reunir en un encuentro que duró mucho más de lo inicialmente pactado. Había ciertas dudas, pero, aun así, querían estar preparados para un regreso de lo que siempre ha significado Soda Stereo. ¿Dinero? Tal vez ¿Nostalgia? Muchísima ¿Sería implacable? Totalmente. En contratos se definieron los ensayos, el anuncio del regreso, y la enorme gira que existiría a finales del siguiente año. Así, todo estaba listo y el día pactado para la conferencia de prensa acerca del nuevo Tour sería un 20 de Septiembre de 2007 (10 años después del “Último Concierto).

Acuestate, levantate, no puedo seguir así, oh no (...) No puedo, seguir maquinandome...

En un recinto de Buenos Aires empezaría oficialmente ese anhelado regreso de Soda Stereo. Sobredosis de TV y En la ciudad de la furia fueron las primeras piezas interpretadas tras 10 años de separación. No se veían como músicos viejos sin evolución alguna; se los podía ver como tres leyendas que habían adaptado su música en versiones extraordinarias y nada añejas.

Te desnudaré por las calles azules. Me refugiaré, antes que todos despierten

Después de eso, continuó la anunciada conferencia de prensa. Preguntas iban, respuestas venían. Se confirmaba que la gira tenía por nombre Me Verás Volver, iba a tener 22 fechas, y que recorrería Argentina, Chile, Ecuador, México, Estados Unidos, Colombia, Panamá, Venezuela y Perú. Un anhelo hecho realidad para los fanáticos que querían ver de nuevo en acción al trio dinámico y también para los que en el pasado no pudieron presenciar un concierto de Soda.

El 19 de Octubre empezó la serie de 22 conciertos en el River Plate de Buenos Aires, mismo lugar que les dijo adiós diez años atrás. Y de ahí siguieron en diversos escenarios de diversas ciudades: Anfiteatros, Pabellones, Hipódromos, Recintos Multipropósito, Parques, Estadios. Vivieron de todo. De gira se fueron obviamente los tres integrantes principales: voz/guitarra, batería y bajo. También estaban como músicos acompañantes Tweety González (teclados), Leandro Fresco (percusiones, coros) y Leo García (guitarra y voz).

Foto del concierto de MVV en el Parque Simon Bolívar, Bogotá. Nov 24 de 2007

No obstante, existieron también apariciones especiales de invitados que sólo se presenciaron en conciertos únicos. El mejor ejemplo fue la última fecha de toda la gira, el 21 de Diciembre en Buenos Aires, donde aparecieron Andrea Álvarez, Carlos Alomar, Richard Coleman, entre otras figuras que fueron significativas en la historia de toda la banda. Igualmente, también existió cierta presencia especial de Daniel Sais en Guayaquil.

Infraestructura del concierto en el Simón Bolívar. Bogotá - 2007

Aquí adjunto dos vídeos presentes en YouTube que reflejan esa realidad que se experimentó y manifestó en la única presentación que tuvieron en Colombia: La del Parque Simon Bolívar de Bogotá el día 24 de Noviembre de 2007. Disfruten el primer vídeo y las partes del segundo vídeo que quieran ver. ¡Adelante!

Vídeo 1: Momentos vividos por Soda en Bogotá en aquellos días de finales de Noviembre de 2007

Vídeo 2: Presentación completa de MVV en Bogotá. Noviembre 24 de 2007

Lista de canciones interpretadas en el recital de Bogotá. 24/11/2007

El sueño terminó en aquel mentado 21 de Diciembre de 2007, otra vez en el River Plate, con otro “Gracias Totales”. El viaje al pasado fue espectacular, pero el final de una era ya se había proyectado al terminar esta nueva historia que se conoció como Me Verás Volver.

Soda Stereo como agrupación, ya habían llegado completamente a su fin. Sin retornos, sin una tercera parte que se haya programado. No obstante, existe la leyenda. Un legado que una banda extraordinaria dejó a todos los rincones del mundo en los cuales fueron vistos y/o escuchados. Siete álbumes de estudio, uno en vivo, un Unplugged y dos giras como extra. Eso y más, mucho más. El trio porteño fue, es y será de las mejores cosas que nos ha entregado Latinoamérica en años. ¡Por todo, gracias inconmensurables!

Gustavo, Charly, Zeta – Soda Stereo: Por y para siempre.

Hemos terminado esta serie de artículos acerca de un grupo legendario. Espero hayan disfrutado este megaproyecto de 10 partes que empecé a construir desde aquel lejano 27 de Mayo de 2016 con aquel ingenuo Capítulo 0. Si no han leído las partes anteriores, ¿Qué esperan a verlos?

Por mi parte, despido esta serie y sólo les digo: ¡Nos vemos hasta la otra. Chao!


“No vuelvas sin razón... No vuelvas. ¡Yo estaré a un millón de años luz de casa!”

7.19.2017

Un Tal Ranking #2: Las 12 canciones recomendadas de Dolor y Venganza

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Venganza. Imagen original de Marta Debayle 

Desde el 13 de Febrero de 2016 no veíamos esta sección, cuyo primer intento tuvo resultados bastante diversos (En caso de que la quieran observar, den clic aquí). En la entrega anterior pudieron presenciar aquellas 12 melodías que en mi mentalidad subjetiva les recomendaba para pasar (o soportar) el día de San Valentín, ampliamente exportado desde Gringolandia hasta América Latina. Lo de hoy será diferente... muy diferente.

Y digo esto, porque casi un año y medio después de un histórico tweet (de cierta agrupación que admiro) que me dio la idea de crear este artículo... ¡Al fin me digné a hacerlo! Ya notaran que no soy muy constante en cumplir ciertas expectativas; pero, más vale tarde que nunca. Y a continuación, verán esas canciones que a juicio personal puedo relacionar con los sentimientos de dolor y venganza que sentimos cuando el amor termina abruptamente (Varias de estas se encuentran en la gigantesca lista de reproducción que tengo en la memoria interna del celular). Así que, comencemos de una vez por todas con ¡Un tal ranking!:

 Ya este histórico tweet de MP tiene más de un año. Mucha flojera la de un servidor :/

Ah sí, curiosamente, al realizar esta lista de doce; todas las melodías terminaron siendo interpretaciones en nuestro idioma materno. ¡Así que, disfrutemos nuestra cultura! (La lista está en el orden más aleatorio que cierto Excel pudo brindar).

Regla General: Ningún cantante repite. Pocos de la anterior lista volverán a estar aquí (Haré lo posible).

1.  Maligno – Aterciopelados [1998 / Álbum: Caribe Atómico]

He llegado al límite de mi ciega devoción. Tiñes mis días de fatal melancolía...

Es uno de mis descubrimientos más recientes. ¿Por qué no había escuchado esta joya del Caribe Atómico antes? Igual, siempre es bueno continuar conociendo nuevas experiencias y esta, ya con casi 20 años de antigüedad, es un deleite instrumental y un remordimiento lírico. Con reminiscencias al tango y con ciertos arreglos realizados por violines y cuerdas de guitarra; esta pieza representa el punto más alto de la frustración por aquel amor que sólo trajo sufrimiento, dolor, toxicidad, y como lo dice la canción, fatal melancolía.

Es de esas veces en las que el “amor” continúa, actuando como un tumor que poco a poco va acabando con la vitalidad del ser humano. Una infección que tarde o temprano puede matar todas las emociones del cuerpo. Una desgracia maligna. Concluyo diciendo que Maligno demuestra el clímax espectacular al que llegó el grupo a finales de los años 90.

2.  Sin ti no puedo estar tan mal – Ximena Sariñana [2014 / Álbum: No todo lo puedes dar]

Tengo poco que perder, si no ves lo que puede ser...

Desde que escuche a Ximena por primera vez en radio, su estilo me llamó mucho la atención. Realmente su tono de voz podía asemejarse a ciertas cantantes también mexicanas del género, pero no su música. Aquella podía explorar los rincones más recónditos de cada sonido en búsqueda de un material que sorprendiera por su naturaleza. Y de ahí muestro Sin ti no puedo estar tan mal, una canción que habla de esa incompetencia de los hombres: aquellos que creen que sus chicas no pueden estar mejor en sus vidas más que con ellos; esos que nunca ha valido la pena querer o amar.

Se ven muchos sintetizadores en esta época, y se vuelve cansón. No obstante, el uso que le da Xime en esta canción (y en general, durante todo el disco) aprovecha bien las capacidades al ser un hilo conductor que, ni estorba, ni es la única fuente de vida de la tonada. Además de la espectacular composición, está la voz de la señorita: la cual es asombrosa. En resumen, un momento de 4 minutos emocionante y bien logrado... (Ximena, si lees esto: Llámame o escríbeme, ¡te adoro!) ;)

3.  Cuando sea Grande – El Cuarteto de Nos [2012 / Álbum: Porfiado]

No quiero manejar tus mismos valores, ni que cada día sea igual a los anteriores

El Cuarteto... grosa banda uruguaya que en sus principios nos hizo reírnos de nosotros mismos y después nos hizo reflexionar de manera más seria, pero sin perder su gracia característica. Y aquí los tenemos con un sencillo que explica lo mucho que no quiere hacer en el futuro para no ser un reflejo de la persona más perversa de la existencia: vos. No, tú no. Me refiero a la persona que sea bien falsa y a la vez tenga el nivel para que quepa en esta melodía.

De admirar es la interpretación instrumental, la cual mezcla de manera cohesiva la batería con las guitarras y los sintetizadores. ¿La letra? He visto mejor material del grupo, pero esta no quedó tan atrás. Su defecto más grande es aquel autotune en el estribillo, cosa que ADORO BASTANTE (sarcasmo) e incómoda demasiado: es innecesario y forzado. Igual, el resto de la canción, es bueno.

4.  Duele – Bomba Estéreo [2017 / Álbum sin título]

No sé si sabes que te vi partir. Sin decir nada, sin pensar en mi...

Más que venganza u olvido, esta melodía quiere evocar, como su nombre lo influye, Dolor. Puro y Duro Dolor. Un single reciente de Bomba Estéreo que es capaz de mostrar las múltiples habilidades rítmicas e instrumentales a las que puede llegar el grupo de Li y Simón. Al principio parecía una rareza experimental bastante cuestionable, para después ser una pieza que a nivel rítmico y lírico es muy buena.

Ya sea por cobardía, por agotamiento de amor, o por razón injustificada de la pareja; comienza el sufrimiento de la protagonista que no soporta la idea de aquella partida. Con una soledad y unos pensamientos que divagan representados en el tono lento del principio y en la acción de los intermedios. Puede que no innove mucho, o sea más extraña; pero no deja de ser una propuesta interesante para lo que se viene de música alternativa en este año y el siguiente.

5.  Ella mintió – Héctor Lavoe [1987 / Álbum: Strikes Back]

De todo el amor que juraba jamás supo nada, yo fui simplemente otro más que la amaba

Tenía las ganas de colocar algo de un género que respeto bastante: La salsa. Y como primera intromisión de este, tenemos la declaración directa del Rey de la Puntualidad en Ella mintió. Con una rítmica poco vista en la salsa, tenemos un diamante en bruto de la música. Eso sí, no se acerca a ser de las mejores del puertorriqueño, pero es bastante competente a nivel instrumental. Con el clásico piano, la percusión y las trompetas, se puede lograr un producto que evoluciona a todo lo visto de Lavoe en sus súper éxitos.

Arrepentimiento, frustración, decepción, dolor. Es increíble como el Cantante era de los pocos que lograban versatilidad en sus discos y canciones. Aunque la letra parte de lo simple, segundo a segundo se va desarrollando con más componentes que la vuelven más compleja de lo que se escucha en la primera impresión: Líricas y Pregones, bien realizados. Un nombre obvio, pero con un contenido muy disfrutable. Esto fue del último álbum que Héctor hizo como solista en vida.

6. Ella usó mi cabeza como un revolver – Soda Stereo [1995 / Álbum: Sueño Stereo]

Pasa el tiempo y ahora creo que, el vacío es un lugar normal...

El primer sencillo del último álbum del trío rockero más reconocido en América Latina resulto siendo un total lamento a base de género britpop acerca de la manipulación por parte de un ser perverso a la inocencia del protagonista; aquel que ya prefiere la soledad antes que ser utilizado otra vez. Con sonidos inusuales para el estilo de Soda, esta melodía se logró consolidar como uno de los últimos clásicos insignia del grupo. A continuación, dejó la reseña que le hice en la saga de Soda Stereo.

“Ya no es rock puro, ya no es distorsión, ahora es un sonido más modernista con tintes de innovación expresados en el uso de arreglos anormales: Instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo) que ahondan más en la melancolía que transmiten las líricas de la canción. Hablando de eso, la trama nos adentra en la manipulación y en el engaño de una mujer (o personificación de cualquier elemento) sobre el protagonista… Y de ahí se desprende todo.

Sentimentalismo al 100%. Una ejecución que la mayoría de sus compañeras de LP quisieran tener y una interpretación vocal increíble a más no poder. En conclusión, es una de las mejores de este sueño… que apenas va empezando.”

7.  Detrás de ti – Caifanes [1990 / Álbum: Caifanes Vol. II (El Diablito)]


Voy recogiendo lagrimas en un vaso de papel...
Esta es otra pieza que se encarga de inaugurar un disco de rock latino: En específico, aquel diablito que por primera vez reunió al quinteto que rockearía como nunca a inicios de los años 90. También denota cansancio y hastío por perseguir aquella utopía personificada en un individuo que sólo sería capaz de traer desgracias a aquel que estelariza la canción. Perfecta para un acosador o algún amor injustamente no correspondido.

¿Drogas? Tal vez ¿Sensaciones incómodas? A cántaros. Por lo cual, el solo de guitarra y el acompañamiento instrumental de toda la tonada es fuerte, tenaz y directo. Desde las notas que marcan el principio hasta el culmen de gritar a los cuatro vientos “¡Ya no!”. Un sufrimiento considerable: El dolor de ser ignorado y lastimado.

8.  Manual de instrucciones para conducir de noche – LosPetitFellas [2014 / Álbum: Historias Mínimas]


Le digo adiós a tus labios, los mismos que creí míos y ahora sé que eran de varios...

Merecían salir otra vez en plena lista de la cobranza. Los fellas le cantan al amor, a la cultura y al... dolor profundo. Esto está en un nivel diferente a las distintas canciones que se han popularizado del grupo, y apartadas de lo que hoy consideramos como mainstream. Sólo se siente ese vacío de conducir en la total oscuridad hacia una nueva vida, un nuevo destino, separado de lo que alguna vez le brindó felicidad y adrenalina.

Ya no vale la pena quererse o pedir perdón. Con la interacción de saxofones, guitarras, teclados y percusiones en una combinación de géneros entre el jazz, el rock y el hip hop; la banda entrega una experiencia de haber sido lastimado de la manera más grave posible. Lo único que queda por hacer es huir de todos esos momentos indeseables. Un manual detallado y metafórico como los de Julio Cortázar.

9.  Mujer Calavera – Sanalejo [2005 / Álbum: Alma y Locura]

Sí, he colocado una canción de aquel lejano y odiado tropipop. Desahóguense en los comentarios. Gracias.


Prefiero que venga por mi la muerte, antes que olvidarme de tu traición...

A pesar de ser un movimiento invadido por la avaricia y por el desprestigio de cuanto medio quisiera, el tropipop no fue una movida tan mala (como muchos de sus detractores indican). Aunque la repetitividad terminó por invadirlo, siempre existieron buenas opciones que salían a dar la cara por la tendencia. Y una de ellas es esta: Mujer Calavera, de ese grupo que más aprovechó el auge de la moda, Sanalejo.

Con una letra que refleja las heridas que dejó un amor que ya quedó en el pasado, Sanalejo hace gala de una de las composiciones más valiosas que tienen en su haber. Las traiciones, las malas actitudes, engaños... todo plasmado en el testimonio de sufrimiento que nos ofrece la canción. Los arreglos instrumentales pueden ser de dudosa calidad (considerando la posible inexistencia en el coro), pero lo hecho con los saxofones/trompetas y las guitarras eléctricas es admirable para ser de un movimiento caída en desgracia. Un solo simple, pero consistente. Un track incomprendido, con cierta belleza interna.

10.  La Copa Rota – Varios Artistas [196? / Interpretada hasta la saciedad]

Versión de Alci Acosta

Versión de Andrés Calamaro/Enrique Bunbury

Versión de Marc Anthony
La sangre que botaba confundiose con el vino; y en la cantina este grito a todos estremeció...

Este bolero representativo de la música hispana ha sido interpretado por diversos artistas: Desde Alci Acosta y José Feliciano, pasando por Vicente Fernández y Andrés Calamaro, hasta Marc Anthony y Enrique Bunbury. También se desconoce la autoría exacta de la canción (Ismael Miranda/Benito de Jesús); no obstante, se conoce de manera unánime que esta es una representación fidedigna del sufrimiento por un amor fallido al que se le encima un dolor mundano que no va a poder curar la herida del corazón.

Una sensación de obsesión y tristeza absoluta, encimada por unos cuantos tragos. Cada voz aporta algo nuevo a la experiencia de escuchar esta historia de amplio sufrimiento: la paciencia y sapiencia de Feliciano, el estilo narrativo y la firmeza de Acosta, el estilo rockero y el despecho de Calamaro, la tenacidad de Marco Antonio, en fin. Tantas voces le caben a este clásico, y no son estorbosas. Un éxito histórico.

11.  La Paga – Juanes [2002 / Álbum: Un día normal]


Si tú no me quieres, dime lo que sientes; pero dímelo de frente.

Remontándonos a 15 años atrás, cuando la carrera en solitario de Juanes apenas despegaba, nos encontramos con uno de sus hits más archiconocidos: La Paga. ¿Qué manifiesta esta canción? Promesas rotas, engaños y traiciones hasta el cansancio. Otra declaración directa de insatisfacción por justa causa: Las mentiras que mantenían vivo un amor que en principio nunca existió.

Con una instrumentación y un ambiente rítmico particular del artista paisa, junto a una letra bastante explícita, y un vídeo animado muy recordado de la época; esta melodía se gana su puesto en esta lista de dolor y venganza. ¿Qué mayor sufrimiento en el amor que unos cuernos bien puestos? Muchas más cosas, pero los cachos son los que abundan. Nada personal...

12.  Incendio – Monsieur Periné [2015 / Álbum: Caja de Música]

Sola sin tú querer, sola con mi penar. Soy una sombra vagabunda, cenizas de un volcán...
Y finalmente, para concluir esta lista, tenemos al grupo culpable de que hiciera esta segunda parte del Tal Ranking: Monsieur Periné. Y esta vez, los tenemos con un track intenso y demoledor, unas poéticas palabras que manifiestan el daño que esa persona le ha hecho a nuestro corazón, prefiriendo la soledad a ser nuevamente la víctima del amor que alguna vez existió... Sí, muchas letras comparten ciertas características en común. Y acá se plasman varias.

Me transmite ciertas reminiscencias al estilo norteño, cual Ingrata de Café Tacvba. El estilo con el que se interpretan los distintos instrumentos presentes (desde cuerdas hasta panderetas) es fenomenal para este tipo de pieza musical. Les comparto el fragmento que realicé en el primer E&H en el que analizaba este Incendio:

“Una pieza tanto acelerada como agresiva en su tipo. A pesar de que la mezcla vocal que se nota en los coros no es la gran cosa, esta canción brilla por la labor que hacen los instrumentos, en especial la percusión que va llevando la canción por el camino que debe tomar. La voz de Cata se nota potente y estupenda

Hay muchas emociones más por explorar. Ojalá pronto hayan nuevos rankings! #ImagenReciclada

Hemos terminado este artículo que aplace algunos días por mera vagancia (¡Lo siento, en serio!). Estén atentos a la continuación de la lluvia de artículos que terminará a principios de Agosto. ¡Hasta la otra!


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”