5.26.2017

El Gotero #4 [Entrega Triple]: A Marte, El Dorado y Ceguera

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Regreso de las cenizas de un periodo universitario que me dejó completamente agotado. Sin embargo, aquí aparezco de nuevo con un artículo de impresiones en donde van a recibir un combo triple con la primera revisada a 3 álbumes lanzados en las últimas semanas, los cuales pretenden causar expectativa en todos los fanáticos de esos cantantes (o grupos, para no excluir); o provocar dolor de cabeza en caso de que sean tan malos como lo que nunca promocionan (No sé, ¿Quién sabe?).

Por lo cual les doy la bienvenida a este artículo de retorno: Una nueva temporada de columnas en Ya viene... Todo a su Tiempo. ¡Así que sin más que añadir a esta peculiar introducción, demos comienzo!

¿Les gusto ese nuevo Intro? Comenten sus opiniones acerca de mi primera experiencia en edición principiante de videos de YouTube.

Primera Revisión: Mis Planes son Amarte – Juanes [11 de Mayo de 2017]

Wow, no me esperaba este contenido de parte de Juan Esteban Aristizabal. Es más, no tenía muchas expectativas del posible nuevo disco de Juanes, el cual llevaría un nombre que cae en lo ingenioso (aunque un poco cliché). Después de P.A.R.C.E. (Un álbum sin identidad), un épico MTV Unplugged (también llamada nostalgia empaquetada), y Loco de Amor (Un cuestionable impacto); verdaderamente no sabía si el cantautor paisa podía evolucionar de ese gran trabajo llamado La vida… es un ratico.

Después de disfrutar la experiencia audiovisual de este último trabajo discográfico, quedó muy claro mi juicio. Estamos frente a un álbum bueno de Juanes. Sí, escucharon bien: Un álbum bueno. El playlist de vídeos existente en el canal de YouTube de Juanes no es sólo un conjunto de imágenes para complementar a las distintas canciones; sino que existe una historia que atrae a que la puedas seguir viendo a través de los mensajes y líricas que posee cada pieza dentro de este nuevo concepto.


Desde Perro Viejo (Una tonada sólida y reflexiva) hasta Esto No Acaba (Un torbellino de emociones), hay una cohesión clara en el álbum, lo cual le da esa característica íntegra que las personas casi siempre buscamos a la hora de disfrutar un disco en su totalidad. No significa sólo abordar un género, sino manejar una misma esencia con géneros distintos en algunas ocasiones. Juanes ha desarrollado un proyecto bastante atractivo para el mainstream actual de la música latina.

Si les soy sincero, esto es una bocanada de aire fresco. Frente a sus trabajos anteriores que no tuvieron mucho éxito. Es un alivio entre la seguidilla de tantas tendencias relacionadas con reggaetón. Es una luz al final de un túnel en el que Juanes llevaba atrapado casi 8 años. Y por si lo preguntan, no alcanza la perfección (y está lejos de hacerlo). Hay defectos notables en ciertas ocasiones: específicamente algunas cualidades melosas o tediosas dentro de las letras. No obstante, son insignificantes frente al trabajo sorprendente que nos ha traído aquel intérprete que alguna vez fue el máximo referente del pop rock colombiano.


Existe variedad en las propuestas que podemos ver dentro del séptimo disco del parcero. Desde melodías lentas, pasando por su pop rock característico, donde también se mezclan géneros como cumbia, soul, balada y un poco de champeta. Sí, puede sonar desordenado. Aun así, se organiza de manera efectiva y no se nota lo forzado o lo inoportuno.

¿Quieren disfrutar un road trip particular con el estilo que caracteriza a Juanes? Vean el mediometraje que forman todos los videos de Mis Planes son Amarte. Sé que quedarán al menos, mínimamente sorprendidos de lo que este artista ha logrado. Resurgió de las cenizas. 


Canciones Recomendadas: Es Tarde, Mis Planes son Amarte, Perro Viejo, Actitud, Fuego.

Nota Apreciativa: 1 (Uno)
Un buen deleite. Defectos por aquí y por allá, pero que no le quitan lo placentero


Segunda Revisión: El Dorado – Shakira [26 de Mayo del 2017]

La situación con Shakira es igual, y a la vez radicalmente diferente a la de Juanes. Esa comparación radica en el amplio recibimiento que sus trabajos anteriores han recibido: Por más mediocres que fueran, la gente alrededor del mundo seguiría consumiendo las producciones de la cantante. Y es lamentable, porque se establece a Shakira en una zona de confort en la que la calidad es prácticamente inexistente. Pero bueno…

Hablando de sus antecedentes, tenemos a Sale el Sol como un último vestigio de contenido que realmente valía la pena. No hablo de sencillos como Rabiosa o Loca, con amplísima calidad lírica (Sarcasmo), sino de piezas como la homónima o Antes de las Seis, las cuales nos dan un suspiro a aquellas personas que buscamos calidad de parte de la música que realiza la barranquillera.

Y luego entramos en El Dorado. No ahondaré en el nombrecito o en un referente del rock colombiano del mismo nombre… dejemos eso para después. Lo que realmente importa aquí es que el contenido que ofrece la cantautora dentro de este nuevo trabajo empieza con pie izquierdo. Cae en la moda facilista de hacer colaboraciones con reggaetoneros en masa. Sin embargo, ese no es el único defecto. Vamos con los detalles para cada track:


Me Enamoré es simplemente una elaboración sencilla que pretende ser pegadiza a toda costa (algo que logra, pero sacrificando la calidad). Es escuchable un par de veces, pero ya después fastidia. Nada son reminiscencias de una época pasada, que realmente demuestra que Shakira aún puede interpretar buen contenido. Chantaje es una basura viral (ft. Maluma). When a Woman no es resaltable más allá de ese ritmo “urbano” … es más tolerable que la primera canción (eso sí). Amarillo es un track llevadero y tierno, con tintes simples que logran desarrollar complejidad.

Perro Fiel… eh, no sé qué hace esto aquí. Es mejor que ese tal chantaje, pero eso no es decir mucho.  Trap es otra aparición del pretty autotune, digo, boy. Lo peor es que la letra no es tan mala (“Ponle Nutella” … ajá claro), lo malo es la pésima interpretación vocal de ambos (irrelevante y cansina, por cierto). Comme moi me recuerda mucho a aquellas caderas que no mentían. Tiene su estilo, es recomendada de escuchar. Coconut Tree es relajante y deleitable… es también buena. La Bicicleta, canción de Carlos Vives, viralidad del 2016. Aunque no lo crean, no es tan mala. Sólo un problema (y uno grande): Autotune, jodido autotune en la voz de la barranquillera (Eso daña en cierto modo la interpretación vocal).


Deja vu (No confundir con la pieza de un tal Gustavo Cereza) al lado de Prince Royce es una bachata llevadera, sentimental. Puede cansar luego de escucharla 4 veces, pero no es una canción mala. What We Said es una versión modificada de Comme Moi, sólo que totalmente en inglés. Siento a MAGIC! muy antinatural en este track, y no puedo disfrutarla tanto como la versión anterior. Y por último está Toneladas, una balada pausada y reflexiva. Es un poco tediosa, pero rescata un poco ese género tan elemental en la carrera de Shakira.

No es un álbum recomendable. Unos tracks por separado sobresalen, pero el disco no tiene sustancia de forma íntegra. Sí, sé que va a ser popular; pero eso no le asegura calidad. Extraño a la Shakira que hizo aquel testimonio de madurez llamado Fijación Oral. No busco que ella sólo cante baladas, sólo deseo encontrar canciones de otros géneros que sean realmente buenas por su calidad, y no por su viralidad. Sólo miren a La Tortura o a Hips Don’t Lie. O si quieren irse más lejos, vean a Ojos Así o a Te aviso, te anuncio. Así las cosas, procedo a dar la apreciación.


Canciones Recomendadas: Comme moi, Amarillo, Deja vu, Coconut Tree, Nada.
Y si quieres rememorar, escucha por millonésima vez a La Bicicleta.

Nota Apreciativa: —2 (Menos Dos)
No es tan malo como Shakira (álbum de 2014) o Loba; pero le falta mucho para ser un digno trabajo de Shakira. Sólo un par de cosas de ahí son realmente excelentes. No más.


Tercera Revisión: Ciegos Corazones – TELEBIT [26 de Mayo del 2017]

Una banda independiente sacando la cara por Colombia. Para los que no los conocen, son un grupo colombiano de rock alternativo (o indie) que ha hecho eco en los últimos años con trabajos como Primera Dimensión (una faceta extraña e incomprensible) y Doce Vientos (un magnus opus en toda regla). No hay que ser un rockero empedernido o un fanático de tal género para darse cuenta del potencial que tienen los cinco muchachos que integran este proyecto.

Luego de lanzar un sencillo y hacer una gira nacional para promocionar su tercer disco que aterrizó antes de tiempo en el medio musical; por fin lanzan al público general por medio de plataformas virtuales como Spotify o ITunes su nuevo disco: Ciegos Corazones: el proyecto menos rockero de TELEB… ¿Qué? Exactamente así sucede, y vamos a ver su contenido llamativo.


Ciegos Corazones es una suave tonada que nos conduce a través de una realidad cruda relacionada con el poder, la política y la falta de libertad. Estrellas y Desiertos es un viaje a través de la naturaleza, los paisajes y las situaciones del día a día. Gemas es la cuota rockera, que anima el estilo del álbum (puede ser el próximo sencillo). Ley de Gravedad es una historia tierna de momentos especiales. Deja es la motivación de afrontar las dificultades de la vida.

Tonada de Luna Nueva es una metáfora acerca del olvido, la tristeza y la nostalgia después de que se acabó el amor. La tierra que nos quitaron es un dueto con Esteman acerca de un lugar especial desaparecido en el tiempo. Sin ti es la declaración realista del amor no correspondido. Hoy corresponde a un reencuentro con una persona especial en la vida. Y el Bonus Track es una interpretación acústica de una de las anteriores canciones.


Si quieren explorar nuevos horizontes sin prejuicios mainstream o de rock puro, te recomiendo ampliamente este álbum. Es un trabajo sobresaliente que logra enganchar a su público desde el inicio hasta el final. También tiene claros defectos, como esa tediosidad en canciones como Estrellas y Desiertos o Deja; pero eso no altera la experiencia completa al escuchar este álbum. Agradezco completamente que pude escuchar el álbum desde hace casi un mes antes, para poder digerirlo mejor. No es tan bueno como Doce Vientos, pero tiene un buen nivel musical respecto a calidad. Así que…


Canciones Recomendadas: Gemas, La tierra que nos quitaron, Sin ti, Ciegos Corazones, Tonada de Luna Nueva.

Nota Apreciativa: 2 (Dos)
Un constante disfrute. Estilo realista, esencia natural, buen contenido. Faltan detalles por pulir.


Esas fueron las tres revisiones de hoy. Una sorprendente, una sobresaliente y una posiblemente sobrevalorada. Deseo muchos éxitos a Juanes y TELEBIT en sus respectivas giras de promoción de sus álbumes.

Ah, sí. No crean que le tengo bronca a Shakira (Es más, la adoro). Pero las cosas como deben ser: Si su trabajo es mediocre, no lo voy a defender. Necesitan ver atentamente cómo es un buen álbum de la barranquillera. Anuncio un análisis en un plazo medio para “¿Dónde están los ladrones?” o para “Fijación Oral”. Escriban en los comentarios qué prefieren que reseñe con lujo de detalles.

Aquí termino esta columna. Nos veremos más adelante. Hasta una próxima.


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

5.01.2017

Gorillaz, El mundo virtual hecho realidad – Capítulo 2: Are we the last living souls?

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Todo el mundo espera un regreso, a pesar de que haya sido por un tiempo relativamente corto. Realmente Gorillaz no se había desconectado de los medios y de la industria que pretendía desafiar, debido a que tenía lanzamientos ocasionales durante los años posteriores a la publicación de su homónimo.

Entre algunas de las curiosidades publicadas se encontraban: Un DVD que contenía material exclusivo acerca de todo el contenido que poseía la banda (vídeos y cortos) hasta ese entonces, un CD de lados B que serviría como un perfecto complemento al homónimo que había tenido reconocimiento (el poco conocido G-Sides) y colaboraciones especiales con motivos de distinta índole (como la de 9/11).


Ya se hacía necesario que el grupo virtual continuara su carrera! 

No obstante, con cada año que pasaba, ya se veía necesario que el grupo aportara nuevo material a una revolución que ya había empezado. Este disco terminó siendo un boom en todo aspecto… y sí, no tengo nada más que agregar para complementar la historia (porque este no es el primer objetivo de estos artículos). ¡Entonces, entremos dentro de los diversos sucesos que nos cuenta el segundo disco!

Demon Days (2005)

1.  Intro
2.  Last Living Souls
3.  Kids with Guns [ft. Neneh Cherry]
4.  O Green World
5.  Dirty Harry [ft. Bootie Brown]
6.  Feel Good Inc. [ft. De La Soul]
7.  El Mañana
8.  Every Planet We Reach Is Dead [ft. Ike Turner]
9.  November Has Come [ft. DOOM]
10.  All Alone [ft. Roots Manuva & Martina Topley-Bird]
11.  White Light
12.  DARE [ft. Shaun Ryder & Rosie Wilson]
13.  Fire Coming Out of the Monkey’s Head [ft. Dennis Hopper]
14.  Don’t Get Lost in Heaven [ft. the London Community Gospel Choir]
15.  Demon Days [ft. the London Community Gospel Choir]

All songs were written by Damon Albarn. Another writers are Brian Burton (3-7, 9, 10, 12); Don Harper (1); Romye Robinson (5); David Jolicoeur (6); Daniel Dumile (9); Rodney Smith & Martina Topley Bird (10); Shaun Ryder (12)

El álbum más exitoso de la banda virtual. El que tiene más reconocimiento de parte de la industria. Gorillaz continuaba siendo una alternativa que mezclaba géneros musicales de manera impredecible, pero ahora la diferencia sería que la industria los seguía más de cerca: Esto se puede notar bastante en los múltiples premios, las diversas nominaciones y las presentaciones que tuvieron durante esta segunda fase.


¿Que si valió la pena esperar? Definitivamente

Las expectativas fueron altas frente a un disco que superaba en creces a su antecesor. Ahora contaba con mensajes sutiles, y a la vez críticos a la guerra; un mensaje basado en los días oscuros que sucedían a lo largo del mundo; y una instrumentación mejor construida, más disfrutable y más fácil de llevar sin caer en el estilo genérico que Gorillaz tanto satirizaba.

De hecho, y antes de entrar de lleno a analizar track por track; sería pertinente mostrar un lado B de este álbum que pretendía impulsar una campaña también creada por la banda virtual que quería evitar que las personas siguieran íconos o modas sin sentido o, en simples palabras, estúpidas. “Reject False Icons” se promocionó con Rockit, una ironía acerca de la importancia de las celebridades que no aportan en lo absoluto a la sociedad; y sí la embrutecen más. Aquí está el “muy extraño” vídeo:

Blablablabla

Ahora sí, comenzando con el Intro. Un inicio instrumental, que a través de diversos sonidos nos deja sentir la decadencia dentro de la que se encuentra sumida el mundo: El preludio a un apocalipsis, el comienzo de días demoniacos en los que la humanidad se devora así misma, audio ininteligible que pretende alertar a la población junto con el ruido de unas sirenas de policía. Sólo entramos a esa realidad inevitable…


Con un compás bastante característico (que influiría en ciertos trabajos de grupos latinos), Last Living Souls hace acto de presencia al empezar con una onda melódica minimalista que en algunos segundos se transforma en ese trauma musical que, cual remolino, te envuelve en una combinación de placer culposo y depresión. La idea de un planeta en el que la vida humana está extinta y sólo el cantante es… uno de los dos o tres últimos supervivientes de la especie. Desde ahí se desencadenan traumas, preocupaciones, tristezas; pero también ambición, libertinaje y poder. Una gran canción con sentimientos variados y/o ambiguos.

"Cause all out of song. I got it down wrong"

En Kids With Guns se puede ver que la avaricia humana no tiene límites conocidos. Abordamos una crítica directa a la guerra, en la que los infantes son la carne de cañón que siempre va a estar en riesgo dentro de una pelea que ellos no tendrían que combatir. Todo esto acompañado de un mix de sintetizadores, batería y cuerdas que quieren resumir sus acordes en un solo mensaje: Muerte. ¡Pieza también excelsa del disco!

"Easy does it, easy does it, they got something to say no to..."

Y luego el cuarto track, O Green World, quiere plasmar las añoranzas de tener otra vez un mundo limpio, libre de destrucción, donde la paz y la armonía alguna vez existieron; al lado de unos arreglos rítmicos basados expresamente en la potencia de los sintetizadores. Se podría explotar más el concepto que se trata en la canción; no obstante, hay unos límites claros que no se pueden sobrepasar. Este track podría ser mejor, pero en su forma original es regular y con una simpleza mejorable en la instrumentación.

"Bring me back to fallen town, where someone is still alive"

Llegamos a uno de los sencillos más populares de la banda: Dirty Harry. Y no es para menos, debido a que es una de las canciones que ha sido tenido muy en cuenta en el mainstream de las artes: como en el cine, apareciendo dentro de varias piezas cinematográficas. Hablando de la canción como tal, nos redirige a un pasaje desértico en donde la supervivencia se ha vuelto tarea fundamental de cada frenético día. La letra que nos habla acerca de armas, combate y carencia de paz se armonizan con un loop instrumental demasiado adictivo durante casi todo el track. Desde arreglos sintéticos bacanos, hasta un rap lleno de carga social hecho por Bootie Brown. Es simplemente asombroso.

"I need a gun, cause all I do is dance!"

Feel Good Inc. … el primer single de este segundo trabajo discográfico. Es, por detrás de Clint Eastwood, la obra más conocida del grupo. No tanto porque se haya tornado un éxito viral; más bien, es una canción con todos los elementos precisos para ser disfrutada, cantada y muy poco aborrecida por las personas. Más allá de una tendencia, marcó un hito en la música anglo. Y en relación con esto, tenemos el tema de esta pieza: ¿Cómo la satisfacción banal y la zona de confort nos absorbe, quitándonos todo rastro de emociones y libertad?

"Love forever, love is free. Let's turn forever you and me"

Todo esto acompañado de una instrumentación preciosa que ambienta los versos y estribillos, que acompaña tanto la parte vocal de 2D, como la de los colaboradores (De La Soul) que representan a esa opresión manipuladora. La letra logra mostrar el aliento del espíritu que no se quiere resignar a vivir en la engañosa satisfacción. Ya no podría decir más cosas… Sólo me resta por decir que es increíble en cuestión de calidad.

Inmediatamente, se continúa con El Mañana; la cual es una canción que manifiesta un sentimiento más desalentador y depresivo. Aspiraciones muertas, unas ilusiones destruidas, esa libertad que al final se podía alcanzar, había quedado pulverizada. Acompañada de ciertos sonidos sintéticos, los beats de batería acompañan a las exóticas cuerdas presentes en muy pocos tracks de la banda. La voz triste y melancólica expresa el fin de un sueño, que se eliminó de una manera horrible. Una pieza significativa.

"Don't stop the buck when it comes. It's the dawn, you'll see..."

Puedo considerar al track consecuente como mi favorito en toda escala del Demon Days. Y es que Every Planet We Reach Is Dead tiene todo para considerarse como una tonada de muy alto nivel: una instrumentación elaborada con exacta precisión (armónica y pegadiza al mismo tiempo); una metáfora donde se representan las ansias de la especie humana por encontrar un lugar seguro (cuyos intentos son en vano); y una interpretación vocal calmada, dudosa en sus ideas, pero finalmente bastante expresiva. EPWRID es excelente. Una canción predilecta.

"Dreams aren't bad, a hit of meth. I love the girl, but God only knows it's..."

November Has Come es corta, ambigua y un poco confusa. Aun así, dice referirse a situaciones sociales en las que la ley es prácticamente inexistente, el libertinaje se hace presente, y el instinto humano para desafiar lo que se estableció en el pasado continúa vivo. Todo esto acompañado de unas líricas que son poco entendibles, que intentan contar las diversas historias de una comunidad; cuyas ocurrencias son acompañadas por un trabajo de sintetizadores que no son suficientes para armonizar el estilo de esta tonada. Se siente que hay insuficiencia, y el track podría ser mejor a nivel instrumental.


"Something started today. Where did it go? What you want it to be?"

All Alone representa la soledad… bueno, no es un sentido muy explícito o directo acerca de esta condición. Más bien, expresa el completo nihilismo/indiferencia que puede causar el estar sumido en los líos de la sociedad; junto a la presencia de unas cuerdas con acordes que impactan al espectador por lo crudos que son. Prevalece esa mezcla instrumental que es la que guía toda la canción; además de poseer transiciones entre un lado relajante y un lado desafiante. ¡Particular y recomendada!


"We's about to make it clear. We happy or we lonesome"

White Light… Mmmm, ¿Cómo lo digo sin que suene ofensivo? Al carajo, lo voy a decir sin contenerme. Esta canción es un completo bodrio. Innecesaria, desesperante, y si quería transmitir algún mensaje, ha fallado rotundamente. Puede que parte de los arreglos instrumentales sean parcialmente agradables, pero la mayor parte del track es una repetición injustificada sin gracia y con un contexto tan oculto que hasta puede ser inexistente. Mala.


"White Light... Alcohol"

Ocurre el caso contrario con DARE. Es una continuidad llena de estilo, beats sintéticos y el encanto de una voz femenina para variar un poco el estilo depresivo y serio del disco. A pesar de que la letra no apela a la conciencia social, o a los problemas de la actualidad; te la puedes tomar en serio como un relax demasiado encantador. Es una de las colaboraciones más extrañas (en el buen sentido), debido a que Ryder ofrece el toque de locura y ánimo suficiente para interactuar con el alma del grupo en una pieza como esta. No describo más, porque sería innecesario agregar algo más a lo sobresaliente que es DARE.


"You just, think it, that's what you do it"

Fire Coming Out of the Monkey’s Head no se debe interpretar de manera literal. Monkey es el nombre del espíritu de la tranquilidad, la felicidad y la armonía que acompaña a toda sociedad durante su convivencia pacífica. No obstante, tarde o temprano llegaran forasteros a corromper esta comunidad; y en cierto momento todo se convertirá en destrucción (Cuando el fuego salga de la cabeza del espíritu).


"There's nothing you believe you want"

Esto, por cierto, es una metáfora de la sociedad (Por si no lo habían notado). Una letra casi en su totalidad hablada, la cual se ve acompañada de unos cuantos estribillos de 2D que dan cierto contexto a la historia. La instrumentación es un poco pegajosa, con tintes de misterio y oscuridad. El contexto es turbio, pero efectivo. Es buena…

Y los dos últimos tracks, que los podemos tener en cuenta como si fueran uno solo son Don’t Get Lost in Heaven y Demon Days, que nos hablan acerca de la ironía de un paraíso o utopía demasiado cruda, donde el fin de la vida es inevitable y la supervivencia ya se torna como un castigo, en vez de ser una condición de dominancia. Llama la atención el coro angelical presente dentro de la tonada, el cual no sólo le da un toque de pureza y seriedad al contenido; sino que expresa la calma de observar como el mundo se acaba y posiblemente alguna nueva etapa comience. Instrumentalmente es suave, calmada y llevadera. No serán las mejores del álbum; mas, si son unas de las más realistas y expresivas.


"There was more of it there, when I got back home"

Aquí termina la travesía por cada uno de los tracks. Ahora, procederé a mostrarles la calificación general del disco como tal.


DESEMPEÑO: 3. Mejor que su álbum debut, con una selección de variados géneros que no le tienen que envidiar absolutamente nada al mainstream de la música. No es perfecto gracias a las falencias dentro de ciertos segmentos, o por ciertas canciones inoficiosas. Sin embargo, he de considerarlo una de las piezas más recomendadas del nuevo milenio. No existen límites para la creatividad (Por ahora).

Nos veremos en una próxima ocasión. ¡Disfruten Humanz y esperen pronto el análisis!


“Ahora el fin marca otro inicio”

4.13.2017

Gorillaz, El mundo virtual hecho realidad – Capítulo 1: A bizarre sunrise

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Llego el momento de hablar de una de las propuestas musicales más extrañas, y a la vez, más efectivas de este nuevo siglo. Su nacimiento representa el inconformismo por varias de las tendencias musicales que se habían formado a lo largo de la década de los 90 y que no ofrecían alguna “revolución” a nivel musical que lograra impactar el medio de una manera brutal. De eso se encargaría un proyecto particular que sorprendió a todo el medio en el comienzo del milenio: Gorillaz.


La foto no es mía, pero expresa adecuadamente un poco de la esencia del grupo en su primera fase.

Espero que disfruten mucho este merecido análisis a uno de los grupos transgresores del cuarto arte. Y para hacerlo más extravagante, la idea se formó a partir de una banda virtual, la cual se construyó a partir de las ideas de dos mentes (Jamie Hewlett y Damon Albarn) expertas en dos ámbitos distintos: un arte visual bien definido y una esencia musical bien estructurada.

Albarn ya tenía en su haber una trayectoria reconocida como vocalista de la agrupación británica Blur; una de las que forjó el ya lejano género britpop. Hewlett había co-creado un comic llamado Tank Girl; además de colaborar en trabajos gráficos de grupos británicos muy reconocidos en la época, como Pulp. El encuentro de estos dos individuos en una fecha cercana a 1998 hizo que las ideas fluyeran hacia una dirección que la industria musical jamás habría imaginado.


Damon Albarn y Jamie Hewlett, actualmente. Las dos mentes detrás de esta propuesta excéntrica.

El concepto surgió como una parodia/sátira/inconformismo a los sonidos de la época, los cuales no tenían mucha variedad que digamos (más allá de boybands y un britpop totalmente muerto). Y esto mismo es reafirmado con la naturaleza animada de sus sonidos y de su entorno: Cuatro integrantes con una identidad y personalidad diferente entre sí: 2D (La imagen), Murdoc (El cerebro), Russel (El corazón) y Noodle (El espíritu).


Los 4 (Murdoc, 2D, Noodle y Russel) en el curioso acto del graffiti. Ironía e irreverencia en todo su esplendor jaja.

Ya casi todo estaba preparado. Sólo faltaba lanzar el primer disco, que daría a conocer el poder de los cuatro integrantes virtuales y los diversos individuos detrás del concepto, los cuales tenían como objetivo revolucionar a la industria musical (Volcarla en su totalidad)Y lo lograron…

Gorillaz (2001)

1.  Re-Hash
2.  5/4
3.  Tomorrow Comes Today
4.  New Genious (Brother)
5.  Clint Eastwood [ft. Del the Funky Homosapien]
6.  Man Research (Clapper)
7.  Punk
8.  Sound Check (Gravity)
9.  Double Bass
10.  Rock the House [ft. Del the Funky Homosapien]
11.  19-2000
12.  Latin Simone (¿Qué pasa contigo?) [ft. Ibrahim Ferrer]
13.  Starshine
14.  Slow Country
15.  M1 A1

All songs were written by Damon Albarn. Another writers are Teren Jones (5, 10); Odetta Gordon (4); Dan Nakamura and John Dankworth (10); Ibrahim Ferrer and Lázaro Villa (12); John Harrison (15).

Analizar este disco va a ser la aventura más complicada que yo haya emprendido desde la creación de este blog. ¿Por qué? Como ya había mencionado, la naturaleza de este disco es bastante rara hasta para mí (Además de que es el primer álbum anglosajón que analizo). Pero bueno, ya dejando las modestias atrás; procedamos a sumergirnos dentro de este mar de sonidos excéntricos.

Re-Hash inicia de una manera bastante sencilla, pero logra mostrar un fragmento de la real naturaleza que conforma a este proyecto llamado Gorillaz. El acompañamiento de esas cuerdas que recuerdan una esencia del lejano oeste estereotipado de películas de los 60 junto a la armonía de sintetizadores es bastante disfrutable. La letra no es compleja, ni siquiera su tema lo es (la fama/las drogas), pero ofrece lo que tiene que ofrecer, y da el protagonismo a lo realmente importante aquí: La instrumentación.


It's the money or stop...

5/4 lleva el compás extraño del que recibe el nombre. Por si se lo preguntan, el track va más allá plasmando vivencias incómodas acompañadas de una depresión excéntricamente alegre. Es extraño, pero logra ser un sonido bello y disfrutable. Puede tornarse un tanto repetitivo; no obstante, la percusión y los beats tratan de hacer a la canción más llevadera. No es de mis favoritas, pero es aceptable.


Tiene restricción por edad... Imaginen lo que verán. Como sea... She made me kill myself...

Tomorrow Comes Today habla de lo efímero y de lo eterno desde un punto de vista más oscuro a nivel melódico. La interpretación vocal no se queda atrás en este sencillo, donde las sensaciones nihilistas y de melancolía se hacen presentes en un disco que hasta ahora nos había traído sátira musical. Por un tiempo fue una de mis favoritas del álbum; y no en vano, debido a que el estilo manejado es bastante atrayente, evitando caer en una depresión absurda.


The digital won't let me go... Yeah, yeah, yeah... I'll pay... when tomorrow comes today

New Genious (Brother) continua la línea lenta y de extrema melancolía que llevaba el anterior track; sin embargo, ahora el tema en cuestión es la desconfianza y un viaje hacia el subconsciente a través de diversas referencias sexuales que son ciertamente incómodas si las comprendes en su totalidad. Un violín desgarrador es el que guía toda la melodía hacia un mar de emociones inciertas y sólo los coros son capaces de hacer eco en la armonía. Instrumentación de deleite con líricas facilistas.


No confíen en la gente que conozcan, les dirán que el río no es profundo...

Clint Eastwood: El primer sencillo, el inicio de la popularidad, la definición de una esencia propia e irrepetible. También es la primera colaboración que encontramos dentro del álbum, creada mano a mano junto a Del The Funky Homosapien, quien, por medio de su interpretación del espíritu del mismo nombre que habita dentro de Russel; logra construir un rap acerca del poder, los momentos de la vida y lo que depara el futuro. Que no falte mencionar que la simplicidad a nivel instrumental es compensada con la carga que puede tener el desempeño vocal y las mismas líricas del single. Una canción sobresaliente en todo el sentido de la palabra.


I'm useless, but not for long. The future is coming on...

Man Research (Clapper) representa la primacía de los sonidos electrónicos y sintéticos en un espectáculo sin precedentes. Sólo por eso, sería destacable para mí (porque realmente es un beat adictivo y difícil de agotar). Respecto a la letra: O es muy metafórica, o no tiene mucho sentido. Cualquiera que sea el caso, es inentendible y de poca recordación; donde pierde fácilmente el protagonismo frente al estilo sintético bien construido. Una dualidad curiosa.


Un asesinato curioso... Yeah!

Punk es un track breve, sin mayores complicaciones, y que compila en menos de 2 minutos la esencia de su nombre. Sobrevivir en una ciudad, donde eres un don nadie al que nunca le prestan atención, y sólo quieres revelarte. Con una percusión marcada con muchos detalles y una esporádica guitarra eléctrica; la pieza es muy simplona en su naturaleza. No es mala, pero no me atrae en lo absoluto.


Maldito, pero nunca me daré por vencido

Sound Check (Gravity) no me parece tan buena como muchos replican. ¿Por qué? Su naturaleza simple no me atrae, como sí lo hicieron canciones anteriores. Admito que la instrumentación está bien ejecutada gracias a una armonía bacana entre los sintetizadores y las percusiones, y pues la voz que emula un poco un estilo de ópera-rock llama la atención. Aun así, no es de mis predilectas, y me parece simplona e insuficiente.


Gravedad, no me empujes hacia abajo

Ocurre todo lo contrario con Double Bass, que aún sin letra logra evocar un misterio o una relajación interesante. En cuanto a los arreglos instrumentales consistentes en sintetizadores y pequeñas melodías de guitarra eléctrica, sólo me restaría decir que son exquisitos en un sentido bastante amplio. Y pues, eso es todo. Esta corta descripción basta para hacerse una idea del estilo implacable de la canción.


Instrumental

Rock the House coge un sample de una simpática sección de la canción Modesty Blaise de John Dankworth para extenderla hasta el cansancio con un rap que nos centra dentro de una fiesta excéntrica donde lo extravagante no tiene límites. A pesar de que la interacción vocal de 2D es… nula, el track no es perverso ni mucho menos. Logra mantener las características anormales que cada una de las canciones anteriores ha mantenido en mayor o menor medida. Aunque se vuelva repetitiva, es agradable de escuchar.


Come on, trace the globe and shake your pants!

19-2000 es otro de los sencillos promocionales del disco. Como curiosidad, este fue elegido a última hora en reemplazo de 5/4 por razones que desconozco. Aun así, creo que fue una buena elección porque se decidieron al final por una pieza íntegramente más completa. En resumen, 19-2000 logra expresar en forma breve el estilo alocado de la banda: un vídeo animado donde la lógica es casi inexistente; unas líricas optimistas que dicen muchas cosas y a la vez no dicen nada; y una instrumentación sencilla pero adictiva. Una muy buena.


Please repeat the message, it's the music that we choose... Keepin' my groove on

Latin Simone es el conjunto de sonidos que más me llamo la atención dentro de este combo de 15 canciones. Es la única en otro idioma aparte del inglés (español); tiene un ritmo que mezcla un poco el son cubano con ciertos vestigios de jazz y música latina (en concreto los saxofones y la percusión); y la trama gira alrededor de una motivación en momentos difíciles. Es lindo escuchar ese estilo latino, pero no encuentro tan sobresaliente esta canción.


Enfrentalo, ilumina ese amor antes de que se vaya

Starshine es lenta, constante y con un loop adictivo que curiosamente no se siente tan repetitivo (aunque eso ya depende del pensamiento subjetivo del individuo). No es una pieza buena, pero es aceptable. Representa meditación, tal vez un poco de impotencia combinada con debilidad. Llega a ser demasiado abstracta, pero no es mediocre.


Starshine, they ain't gonna find me

Slow Country representa una oposición entre el concepto tranquilizante/llevadero del ritmo reggae que se presenta, y la letra que habla de la vida urbana experimentada en la pobreza, la soledad y el nihilismo absoluto. El piano es exquisito, los beats refuerzan el concepto y los sintetizadores ambientan en gran medida la canción. Su sonido es minimalista, pero sobresale entre las demás.


You won't get money from doing what you loving :(

Y para cerrar el álbum, esta M1 A1. La primera mitad me recuerda mucho al estilo de esas películas de terror/suspenso en donde la melodía es tétrica y los gritos de auxilio enredan la experiencia más y más. La segunda parte ya es un hard rock confirmando el sonido que el grupo ha sostenido durante todo el disco. No tiene una letra muy elaborada y no es muy atrayente. Es una pieza mediocre, pero la combinación de ambas mitades puede ser relevante para ciertas personas (no es mi caso).


Gorillaz got the base drum, Gorillaz say I want some...

Y listo. Luego de adentrarnos en el homónimo de Gorillaz track por track, llegó la hora de categorizarlo en la escala de siempre. Es difícil por la naturaleza anormal del álbum; sin embargo, me gustaría calificarlo de acuerdo a la experiencia que se puede vivir con este.

DESEMPEÑO: 2. Es una travesía cuyo objetivo es distanciarse de los sonidos mainstream de la industria musical. ¿Lo logra? En partes, sí. No en su totalidad, pero es un buen comienzo para un proyecto de este calibre. ¿Por qué no llega al 3 o al 4? Porque a veces cae en ser repetitivo, tedioso o en muy pocas ocasiones, aburrido. No obstante, es un disco que sobresale y que inspira calidad en varias ocasiones. ¡Recomendado para aquellos que quieran experimentar sonidos poco comunes!

Aquí termino la primera de cuatro partes acerca del especial. Aún no sé si analizar The Fall, porque no es un disco muy elaborado… aun así, lo tendré en cuenta para ver si lo incluyo o no. ¡Hasta la próxima ocasión!


¡Proximamente, veremos el disco más premiado y aclamado del cuarteto: Demon Days!


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”